claque ou claquete

Crítica: O Artista

2012-02-08T21:30:00.000-02:00

O Artista é um filme para o cinéfilo que, adespeito das invenciones videoclipistas contemporâneas, nunca deixou deacreditar na magia do cinema. Uma história repleta de doçura e de amargura,colhida nas profundezas do pré-som e da pré-cor por quem ama o fazercinematográfico. Um delicioso melodrama para lembrar (ou conhecer) o cinema em pretoe branco e suas histórias singelas (mesmo quando trágicas), já formadoras deplateia nos idos de 1920/30, ao alcance daquele público cuja preguiça mental ofaz preferir a dublagem à legenda. Se bem que, vez ou outra, ele será obrigadoa ler alguma, tomara que ainda saiba ler. Aliás, é a questão da legenda versusáudio o motivo deste espetáculo. É interessante notar que, enquanto nos anos20/30 discutia-se a transição entre o cinema mudo e o falado, hoje é CGI e 3Dque resultam em acaloradas discussões.

O Artista (TheArtist, França, Bélgica, 2011), de MichelHazanavicius, é uma grande celebração. Uma viagem às incríveis produçõescinematográficas dos anos 1920 e 1930, onde o carismático ator George Valentin (Jean Dujardin) faz fama e fortuna com seus personagens charmosos eaventureiros em filmes mudos de grande apelo popular. No entanto, o tempo nãopara e a modernidade vem atropelando tudo que parece obsoleto. É nesse climanovidadeiro que, após um ocasional empurrãozinho na carreira da iniciante atrizPeppy Miller (Bérénice Bejo), ele fica sabendo que o Kinografh Studios, para quemtrabalha, irá produzir apenas filmes sonoros. Enquanto a determinada garota seentusiasma com a novidade, o inseguro Valentimé contra. Com o orgulho ferido (feito Charles Chaplin na defesa de suapantomima), o consagrado ator (de pouca fala) passa a questionar o futuro dasétima arte sonora. O seu drama, de uma ternura arrebatadora, arranca risos,suspiros e lágrimas da plateia que aposta no seu talento e num esfuzianterecomeço. Afinal, o cinema é feito de fases (e frases de efeito). Ou não ?!

O públicomais antigo sabe que nos primórdios do cinema, para facilitar o acompanhamentoe a compreensão da história, eram inseridas (entre cenas) cartelas com textos. Achegada do som (que revolucionou a sétima arte), no entanto, apavorou meiomundo artístico, até Charlie Chaplin (1889 - 1977) resistiu a ele por mais deuma década. O temor da classe (e de alguns produtores) era que o cinema sonoro,por conta das risíveis primeiras experiências, destruísse carreiras e estúdios,já que a maioria dos atores não tinha “aquela” voz imaginada pelos espectadores,como se pode ver no genial musical Cantandona Chuva (Singin’ in the Rain, 1952). Por outro lado, dependendo do talentoda estrela, a novidade poderia consolidar o ofício, como aconteceu à diva GretaGarbo, indicada ao Oscar pelo desempenho em seu primeiro filme sonoro, Anna Christie (1930), cujo slogan era: Garbo Fala!

Se antesdo som a intenção da trama se bastava nos olhos, no gestual, com o seu adventoela ganhou destaque na voz, e para isso a interpretação era mais do quefundamental. O filme sonoro passou a exigir mais de todos os envolvidos, daconcepção à finalização da obra. O irônico é que, para melhorar a qualidade doáudio, surgiu a dublagem (viciando o norte-americano, que não vê filmes estrangeirospor causa das legendas), mas que (de certo modo) acabou facilitando adisseminação do cinema em todo mundo (dublado - com alguma relutância - emoutras línguas) e facilitando (depois) a sua exploração pela TV.

O Artista não é um filme de ontem, mas um filme(de hoje) sobre o cinema que se fazia ontem, em posse da alta tecnologia dehoje simulando a de ontem. Tudo nele remete ao passado, da extraordináriaperformance de Dujardin, com seu sorriso iluminado, à trilha magistral de Ludovic Bource. A nostálgica narrativade Hazanavicius, que “fala” mais com imagens do que com “palavras”, do amor àarte e do valor da amizade (canina e humana), surpreende pela simplicidade. Éimpossível ficar alheio à cativante Bérénice Bejo e ao adorável cão (Uggy), parceiro de Valentin, dentro e fora das telas, lembrando a admirável relação deChaplin com a sua cachorrinha em A Dog's Life (1918). A metalinguagem na “gritante” sequênciainicial de lançamento do filme A RussianAffair (tela/plateia/tela/bastidores/tela) com o pedido de “silêncio” (naapreciação de um filme mudo) é mais que perfeita, é genial! Assim como onocaute de algumas metáforas (principalmente) sobre a ascensão e a queda deastros e estrelas. Mas o ponto alto fica com a antológica sequência de Valentin enlouquecido com a sonoplastiareal e incapaz de pedir ajuda. Não me lembro de casamento tão perfeito deáudio-imagem.

Um bom cinéfiloverá na fantástica trama de O Artistaas muitas homenagens (conscientes) a clássicos como: Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard, 1950), Cantando na Chuva (Singin’ in the Rain,1952), Nasce uma Estrela (A Star IsBorn,1954), e a diretores como: Charles Chaplin, Orson Welles, AlfredHitchcock, Fritz Lang. Em um momentomuito em especial, Peppy relembraGreta Garbo (1905-1990) em GrandHotel (1932), com a famosa frase que a marcou pelo resto davida: I want to be alone! (Euquero ficar sozinha!). Michel Hazanavicius não é o primeiro e, com certeza, nãoserá o último a homenagear o cinema, preto e branco ou colorido, mudo ou falado.Muitos diretores contemporâneos acreditam na carga dramática do silêncio,apostam na imagem (por mil palavras), na interpretação, na ausência de trilhas,mas não conseguem fugir do pejorativo filmede arte. Infelizmente nem todos tem a boa sorte de juntar qualidade e bocaa boca, como O Artista, e traçar umdestino premiado rumo ao grande público.

O mundoviu e riu diferente com as pantomimas do francês Jacques Tati (1907 - 1982) ecom as paródias do norte-americano Mel Brooks. Ao ironizar (também) amodernidade retrô (e por tabela o público americano?) o ponto vai para MelBrooks com a sua coloridíssima comédia AÚltima Loucura de Mel Brooks (Silent Movie, 1976), onde a única fala é um sonoroNon! (Não!), dito pelo mímico francêsMarcel Marceau (1923 - 2007), ao ser convidado a estrelar o Silent Movie. Questionado sobre a respostado artista, Mel responde: Eu não sei. Eunão falo francês! Dificilmente o americano fará filas para ver o filmefrancês, já que odeia ler legendas, mesmo que mínimas. Pior para os folgados, O Artista é inesquecível!

Crítica: Histórias Cruzadas

2012-02-07T17:01:00.000-02:00

De temposem tempos, romancistas estadunidenses trazem a lume um velho tema: segregaçãoracial na região sudeste dos EUA, nos anos 1950/1960. Os livros (geralmenteficção) ganham popularidade e (óbvio!) são adaptados para o cinema. Em 2008, The Secret Life of Bees (A Vida Secretadas Abelhas) da escritora Sue Monk Kidd, publicado em 2002, chegou às telas atravésda diretora Gina Prince-Bythewood. Em 2011, foi a vez do diretor Tate Tayloradaptar o romance The Help (HistóriasCruzadas), de Kathryn Stockett, lançado em 2009. Os dois livros (de autorasbrancas) têm o seu foco em personagens femininos e narram as experiências demulheres brancas (e futuras escritoras) na convivência com mulheres negras oprimidaspela sociedade branca. Os homens (brancos e ou negros), geralmente coadjuvantes,são protagonistas (apenas) nos pontuais atos de violência. Os palcos são aCarolina do Sul e o Mississippi.

Histórias Cruzadas (TheHelp, EUA, 2011), de Tate Taylor,situa-se nos buliçosos anos de 1960, em Jackson, uma pequena cidade onde asmulheres negras, sem opção, obrigatoriamente trabalham como serviçais demulheres brancas “preocupadas” com a fome na África e o jogo de bridge. Elasali são pouco mais que nada, mas mão-de-obra barata e indispensável para asdondocas. Algumas também acumulam a função de babá e, quando possível, ensinamvalores humanos à criança: "Você égentil! Você é inteligente! Você é importante!". Todavia, nem sempre oque se apreende na infância serve como moral na parábola futura.

O filme temum bom argumento, mas derrapa no didatismo do roteiro. Skeeter Phelan (Emma Stone)é uma jovem branca (com pretensões literárias) recém-contratada pelo The Jackson Journal, para escrever sobreprendas domésticas. O problema é que ela entende nada do assunto e ao pedir ajudaa Aibileen Clark (Viola Davis, magistral), uma empregadadoméstica negra, acaba encontrando, entre uma conversa e outra, um assunto palpitanteque pode render um bom (e polêmico) livro. Com um título no papel: The Help (A Ajuda) e uma ideia nacabeça, ela parte para o impensável naquela cidade com resquícios escravocrata:entrevistar as serviçais negras e conhecer a origem delas, os sonhos, afamília, o relacionamento com as patroas brancas. Apesar de relutante, Aibileen concorda em lhe dar umdepoimento, mas não é o suficiente, e Skeetertenta convencer a afável e atrevida MinnyJackson (Octavia Spencer), quesabe de coisas que até Deus duvida, a participar do audacioso projeto.

Àprimeira vista parece oportunismo uma jornalista branca se “apropriar” dehistórias de mulheres negras e publicar o seu primeiro livro. No entanto, aover a capa da publicação todos os conceitos mudam. The Help (A Ajuda) é um título amplo e também pode significar trocade favores. Mulher branca realiza o seu sonho e mulheres negras (mesmo queanonimamente) ganham voz impossível de calar. A narrativa, às vezes nonsense(na instalação de vasos sanitários) às vezes amarga (na criação do filho alheio)ou mais irônica do que engraçada (na torta de Minny), também varia entre abeleza contagiante e a pieguice. Alguns exageros na composição vilanesca e ouheroica das personagens incomodam. É difícil imaginar um lugar pior que a provincianaJackson, onde, com raríssimas exceções, branco é mau, branco manda e preto ébom, preto obedece. Pelo menos é o que nos faz crer este dramalhão capaz deafogar um espectador mais sensível em um mar de lágrimas, ou de refrigerante oude pipoca, conforme a sessão mea-culpa,não!

Naexcessiva boa intenção de traduzir a inquietação de mulheres negras, Histórias Cruzadas ganha veracidade nainterpretação de três atrizes: Viola Davis que, numa contenção de gestosimpressionante, expressa toda angústia e dor de Aibileen, através do olhar e do tom de voz; Octavia Spencer, nacriação expansiva (e quase farsesca) de Minny;e a carismática Jessica Chastain,compondo na medida exata a desajeitada CeliaFoote, a única branquela boa gente do lugar. Quanto a Emma Stone, a sua Skeeter Phelan não rende, não se decideentre a esnobada garota virginal e a independente universitária. Já a caricata Hilly Holbrook, de Bryce Dallas, é uma megera típica de Contos de Fadas.

HistóriasCruzadas dividiu a crítica americana e desagradou a Association of Black Women Historians,cuja diretora, Ida E. Jones, publicou uma carta aberta (leia aqui),dizendo que o livro e o filme distorcem, ignoram, e banalizam as experiênciasdos negros trabalhadores domésticos, não falam do assédio sexual sofrido pelasmulheres negras e mostram os homens negros como cruéis ou ausentes. Bem, os homens(pretos ou brancos), apesar da sociedade machofalocrata, raramente aparecem (nãosão o foco de interesse). Quanto aos atos de crueldade, o que se vê são osferimentos, mas não o ato de violência dos negros, que é explícita apenas naação truculenta dos policiais brancos.

Pode parecer irrelevante, mas quando se falade cultura, não tem povo que não defenda a sua. Assim, só para constar, KathrynStockett é uma escritora branca, nasceu em 1969, em Jackson (Mississippi), e The Help seria uma homenagem aDemetrie, uma empregada negra que foi essencial na sua infância. Tate Taylor,roteirista e diretor de The Help, ébranco e também nasceu em Jackson. Com ou sem “autoridade” para falar sobresegregação racial (na terra onde nasceram), a verdade é que (independente do resultado)realizaram obras campeãs.

Realmente,muitos pontos espinhosos do período negro da história norte-americana, além doassédio sexual, não são tocados, talvez pelo fato de ser uma obra de ficção semintenção de catarse racial. Se bem que (de alguma forma) os espinhos acabamsubtendidos no cruzamento das narrativas brancas e negras. Porém, a idealizaçãohistórica do melodrama pode confundir o espectador, principalmente quando osfatos reais são meras citações (de rodapé), como a famosa Marcha sobreWashington por Trabalho e Liberdade, organizada por Martin Luther King Jr.(1929 - 1968), em 1963, o assassinato do ativista negro Medgar Evers (1925 -1963) e do presidente como John F. Kennedy (1917 - 1963), o Direito ao Voto, asabomináveis Leis de Jim Crow.

A “difícil”convivência entre branco e negro não é novidade no cinema americano. Aimprovável conivência entre patroa e empregada foi destaque em The Long Walk Home (Uma HistóriaAmericana, 1990), com Sissy Spacek (que também está em Histórias Cruzadas) e Woopi Goldberg. Porém, na variação sobre omesmo tema, e mantendo a intensidade, HistóriasCruzadas, mesmo que através de uma patroa (escritora) branca, traz uma voznova, ou ao menos diferente, ao dramático período. Fictícias ou possíveis, ashistórias “colhidas” são fortes, doloridas. Se não pegam o espectador pelarazão, o pegam pelo coração. Tate fez a sua lição de casa, estudou direitinho acartilha de clichês, por isso é difícil ficar imune a alguns dos inúmerosconstrangimentos sofrido pelas serviçais. Hollywood continua imbatível na artede manipular emoções!

Crítica: Viagem 2: A Ilha Misteriosa

2012-02-01T23:01:00.002-02:00

Um filmecom o título Viagem 2 pressupõe-seum anterior, digamos, Viagem 1, ouapenas Viagem, certo? Bom, mais oumenos. Ou melhor, em se tratando de franquia e condicionamento do público, atéque deveria ser assim, mas não é. Também porque antes do Viagem 2 existe apenas o Viagemao Centro da Terra (Journey to theCenter of the Earth), de 2008 e que, de comum, tem a “inspiração” nas obrasde Júlio Verne e o ator juvenil Josh Hutcherson. Que viagem, não é?! Ah, eantes que você pergunte, o livro A IlhaMisteriosa também não é a segunda história da série Viagens Extraordinárias de Júlio Verne.

Viagem 2: A Ilha Misteriosa (Journey2: The Mysterious Island, EUA, 2012), dirigido por Brad Peyton, é mais uma produção levemente inspirada em um ou outrodetalhe de A Ilha Misteriosa, de Júlio Verne (1828 - 1905), publicado em1874, e que já foi alvo de diversas adaptações e versões. No cinema: 1929: A Ilha Misteriosa (EUA), de LucienHubbard; 1951: A Ilha Misteriosa(seriado - EUA), de Spencer Gordon Bennett; 1961: A Ilha Misteriosa (EUA/RU), de Cy Endfield; 1982: A Ilha Misteriosa (Hong Kong), ChangCheh; 1990: anime Nadia, O Segredo daÁgua Azul (Japão). Na TV: 1963: AIlha Misteriosa (França), de Pierre Badel; 1973: A Ilha Misteriosa (França/Espanha), de Juan Antonio Bardem; 2005: A Ilha Misteriosa (EUA), de RussellMulcahy. Em HQ: 1970/71: MisteriosaManhã, Tarde e Noite (França), por Jean-Claude Floresta; 1973: A Ilha Misteriosa (Itália), FrancoCaprioli; 2010: A Ilha dos Mil Mistérios(França), por Alban Guillemois.

Nestamais recente versão de A Ilha Misteriosa(Júlio Verne), com citações de As Viagensde Gulliver (Jonathan Swift) e Ilha do Tesouro (Robert Louis Stevenson), o jovem Sean (Josh Hutcherson), que era molecote em Viagem ao Centro da Terra, agora é o típico nerd (pelo que dizsobre si mesmo), um rebelde sem causa que não gosta do padrasto Hank (Dwayne Johnson). No entanto, com a ajuda dele consegue decifrar umamensagem codificada, que acredita ser um SOS enviado pelo seu excêntrico avô Alexander (Michael Caine). O problema é que, pelas coordenadas, a tal mensagemteria vindo de lugar nenhum. Mesmo assim, ele e Hank rumam ao Pacífico Sul, onde contratam um piloto de helicóptero,o malandrão Gabato (Luis Guzmán), e a sua temperamentalfilha Kailani (Vanessa Hudgens), para levá-los ao local descrito por Verne nolivro A Ilha Misteriosa. O grupoacaba acidentalmente descobrindo que o tal inexistente lugar existe, e abriga faunae flora exóticas.

Viagem 2 é clichê (garoto birrento que não se dácom padrasto camarada, que é fortão, com algum cérebro, e sensível o suficientepara cantar What a Wonderful World)atrás de efeitos especiais atrás de clichê (garoto riquinho e ansioso querconquistar garota pobre e independente, cujo pai “herói” é um bobalhão) etc. O desastroso“roteiro” parece um queijo suíço capenga, mas geralmente o público alvo (garotadados sete aos quinze?) nem nota e ou se preocupa com isso. Afinal, é um filme deaventura e ação (tipo: corre um pouquinho e descansa um pouquinho) para oespectador nada exigente, que se deleita com alguns efeitos bacaninhas, bichinhosfofinhos ou feiosinhos e flores esquisitinhas, enquanto espera pelo óbvio final(?) feliz, se empanturrando de pipoca e refri..

Não custa(re)lembrar ao espectador que não se ligou na sinopse e que espera ver (aqualquer momento) referências à velha história (original) sobre abolicionistasamericanos em fuga..., que o enredo é outro. Aqui, os personagens são contemporâneose se estão fugindo é de suas vidas tediosas. O título da obra de Verne é apenasum chamariz para mais um argumento desperdiçado. O que se vê, entre uma queda eoutra e entre uma mensagem edificante e outra, é apenas uma ilha fantasiosa comalgum “mistério” sem muita convicção e cinco “sobreviventes” quase enfadonhos (nafalta de antagonistas diretos), forçando na simpatia.

Viagem 2: A Ilha Misteriosa é o típico filme-família, linear e cheiode boas intenções altruístas, ao gosto do público-família. Às vezes ridículo,na exploração de gags (velhas) sem graça, e às vezes insensato, ao desperdiçar aspoucas boas ideias. É também (inconscientemente?) saudosista ao lembrar aoscinéfilos que o Michael Caine, “amigo” das abelhas assassinas, lá em 1978, quandoencarnou o entomologista Brad Crane, na luta contra O Enxame (The Swarm - considerado um dos piores filmes de todos ostempos), de Irwin Allen, pode se sentir (de certa forma) “recompensado” (pelasabelhas) nesta Ilha Misteriosa onde insetosgigantescos são dóceis montarias.

BradPeyton não conseguiu a melhor atuação do elenco, que merecia uma trama melhor, ficandoali no razoável caras e bocas, em meio a pirotecnia visual. Tecnicamente, quemgostou do 3D de Viagem ao Centro da Terra,possivelmente não terá do que reclamar do 3D deste, também em versão IMAX. Agoraé esperar para ver como sairá a sequência da franquia no anunciado (?) Viagem 3: Da Terra à Lua (de 1865).

Crítica: Os Descendentes

2012-01-28T17:16:00.000-02:00

Geralmentefilmes-família são produções melodramáticas cujo público alvo favorito (mas nãoexclusivo!) é o feminino, tamanha a choramingas, mensagens altruístas e deautoajuda etc. No entanto, tem sempre um ou outro diretor que consegue realizarfilmes-família fugindo dos clichês e passando ao largo da tradição, família,patrimônio. Um desses caras é AlexanderPayne, do divertido Sideways - EntreUmas e Outras (2004), que é chegado num humor (negro ou nonsense)inesperado e ou desesperado, em produções que agradam também o públicomasculino.

Os Descendentes (TheDescendants, EUA, 2011), seu mais recente trabalho, é um drama que (porconta do humor juvenil) se desenvolve com a leveza de uma romântica crônica decostumes. Matt King (George Clooney) é um advogado bemsucedido que reside confortavelmente, mas sem ostentação, no Havaí.Excessivamente dedicado ao trabalho, ele só se dá conta de que vive alheio àfamília quando um grave acidente com a sua mulher, Elizabeth (Patricia Hastie),o obriga a cumprir integralmente o papel de pai de duas garotas, Alexandra (Shailene Woodley), de 17 anos, e Scottie (Amara Miller),de 10. Como se não bastasse a dificuldade em lidar com as filhas, Matt tem ainda que contornar a ansiedadeda parentada que insiste na venda um belo e valioso pedaço de terra (sob suaguarda), que vai render uma boa grana para todos.

Baseado no romance de Kaui Hart Hemmings, o filme tem um argumento simples (atébanal), mas o roteiro bacana (de Alexander Payne e Nat Faxon), com bonsdiálogos, e ótima direção, lhe dá um charme todo especial. O seu diferencial éque o foco da narrativa não está no velho clichê da mulher em crise tentandoreverter o seu casamento (a favor da sagrada família etc), também porque amulher (se for o caso) está em coma e indefesa. Ele agora intensifica ocurto-circuito na cabeça de um homem/marido (ausente) que busca respostas paraos acontecimentos que abalaram o seu casamento e a relação afetiva com asfilhas.

Os Descentes é um filme bonito e envolvente osuficiente para provocar lágrimas e sorrisos. Payne é mordaz na leitura críticado homem que, ausente de si mesmo, se refugia no trabalho, acumulando bens quenão usufruirá, e daquele que usufrui o bem alheio, por capricho (ou herança). Mastambém é singelo ao tratar das pequenas coisas que realmente importam na vida. Háum humor (negro) beirando o nonsense, na conduta impulsiva de Matt (enquanto marido) e ou prudente(enquanto advogado), e ironia, na paisagem paradisíaca que emoldura e na cançãobucólica que embala o seu maior dilema.

Clooneyencarna a Matt King com prazerosanaturalidade, dividindo excelentes cenas com o competentíssimo elenco jovem. Entretantas boas sequências, vale destacar a hilária conversa de “aconselhamento”entre Matt (insone e angustiado) e osonolento Sid (Nick Krause), um adolescente (meio sem noção) amigo de Alexandra. Quanto ao título, oespectador verá que ele se justifica do começo ao fim.

Crítica: J. Edgar

2012-01-26T22:41:00.002-02:00

Nosúltimos anos, o documentário biográfico, gênero que explora a vida depersonalidades, celebridades, artistas e outros “famosos”, se “popularizou” no Brasil.Diversos diretores, principalmente iniciantes, fizeram, estão fazendo ou vãofazer o seu Doc-Bio. O “fazer” até que é fácil, o difícil é “ver” alguma dasproduções (que passar pela seleção!) além dos festivais. A informação de que umdocumentário nacional está em cartaz (num shopping?) talvez faça alguma diferença(para o espectador) se o biografado for “aquele alguém” muito (mas muito) conhecido.Caso contrário, ele será (?) projetado para ninguém. Na verdade, nem mesmo acinebiografia é garantia de sucesso no Brasil ou no estrangeiro.

Após tangenciaro gênero (biografia) em Invictus (2009),num breve retrato de Nelson Mandela (às voltas com o cumprimento dos Direitos Humanosna África do Sul), Clint Eastwood se aprofundou no estilo para beliscar JohnEdgar Hoover (1895 - 1972). Nada mais oposto que Mandela (noite) e Hoover (dia).Nada mais invictus que ambos, no desejode servir a pátria amada (África/EUA). Porém, como na vida tudo é uma questãodo ponto que se avista, atos de heroísmo e ou de crueldade podem variar no pesoe na medida. O valor de cada um depende (mesmo) é do gesto do “beneficiador” eda satisfação do “beneficiado”.

Baseadono roteiro de Dustin Lance Black, o filme se desenvolve a partir de umahipotética biografia que, em 1970, J. Edgar(Leonardo DiCaprio) dita asucessivos agentes, exaltando tão somente os seus grandes feitos patrióticos àfrente do FBI. A história vai e volta no tempo, ao ritmo de suas lembranças.Anos 20, 40, 60, 70 vão se desfiando num flashback que aos poucos tece e amarraa trama que aposta apenas na sua essência. O que se vê é uma dramatização que relaa intimidade profissional e doméstica de Hoover, buscando mais ilustrar do quecomprovar fatos da vida deste enigmático (e obsessivo) senhor que, do governode Calvin Coolidge (1920) a Richard M. Nixon (1970), por 48 anos consecutivos, dirigiu(com mãos de ferro) o FBI, praticamente, reportando os seus discutíveis atos a simesmo.

Como todabiografia gera dúvidas, muitos questionam a veracidade desta versão sobre o homem do FBI que acreditavano seu dever cívico de proteger os norte-americanos dos(ataques) “bolcheviques comunistas”. A narrativa de J. Edgar (J. Edgar, EUA,2011), é fragmentada e até meio confusa. O foco se divide entre suas “açõespatrióticas”; a relação (e dependência) profissional e social com Clyde Tolson (Armie Hammer) e de segredos com a secretária Helen Gandy (Naomi Watts);e a submissa convivência com a mãe AnneMarie Hoover (Judi Dench). Clintnão julga e ou enaltece as polêmicas atividades do lendário e temido “servidorpúblico” que perseguiu artistas, chantageou autoridades (John F. Kennedy) epersonalidades (Martin Luther King Jr.). Tampouco vai além do convencional aoabordar a especulação corrente de que ele era homossexual e amante de Tolson.

Justificandoo primeiro parágrafo, a curiosa história de John Edgar, responsável pela modernizaçãodas técnicas de investigação científica criminal, resultou num bom filme, mas quedividiu a crítica. Parece que mesmo quem não tinha a menor ideia de quem foi ele,esperava algo mais escandaloso (?), mais gay (?), mais contundente (?). Ouseja, nem sempre menos (embromação) é mais (informação) para entreter o públicocombo. A direção de Clint Eastwood é segura e Leonardo DiCaprio delicia oespectador com uma atuação tão brilhante, ao “humanizar” J. Edgar, que pouco sobra para os ótimos desempenhos de Judi Dench,Armie Hammer e Naomi Watts. A excepcional fotografia “envelhecida” de Tom Sterne o belo figurino de Deborah Hopper (conforme a luminosidade da época) dão ummaravilhoso tom nostálgico. O vacilo (?) fica por conta do exagero na impressionantemaquiagem de envelhecimento que faz ClydeTalson e Helen Gandy parecemcentenários (aos oitenta anos).

Crítica: Millennium - Os Homens Que Não Amavam As Mulheres

2012-01-25T09:04:00.000-02:00

Verdadeou mito de que o público americano só vê (e só gosta?) de filme falado(dublado) em inglês americano, parece ser a explicação mais lógica para a faltade lógica de refilmagens (e releituras) americanas de filmes não-americanos.Raramente alguma refilmagem americana vale o ingresso. Mera pretensão hollywoodianaem achar que tem algo maior a dizer ou frustração por não ter realizado a obraprimeiro?

Millennium - Os Homens Que Não Amavam As Mulheres (TheGirl with the Dragon Tattoo, EUA, Suécia, Inglaterra, Alemanha, 2011), de David Fincher é um drama revisionista, desuspense tipicamente americano, que parece feito só para mostrar aos europeuscomo se faz um thriller americano com matéria prima europeia. O filme que, paranão parecer plágio, conta a mesma história, mas com alguns elementos (muito)diferentes do original Os Homens Que NãoAmavam As Mulheres (Män Som HatarKvinnor, Suécia/Dinamarca/Alemanha, 2009), de Niels Arden Oplev, se baseia no primeiro livro da trilogia Millennium, de StiegLarsson (1954-2004). Ele trata da investigação do jornalista Mikael Blomkvist (Daniel Craig) e da hacker LisbethSalander (Rooney Mara) sobre odesaparecimento de Harriet Vanger (Moa Garpendal), sobrinha-herdeira domegaempresário Henrik Vanger (Christopher Plummer).

Quem viuo filme sueco (ou leu o livro) não ficará indiferente a esta versão americana. Anarrativa que vai se montando feito um quebra-cabeça, envolvendo assassinatosbrutais, religião e intolerância, começa a todo vapor, mas o seu contínuo ritmovertiginoso (puro exibicionismo) logo perde o interesse e a história parece nãoter fim. Enquanto o Millennium de Oplev (com roteirode Nikolaj Arcel) é conciso evai direto ao assunto para contar uma boa história detetivesca em 152 minutos,o Millennium de Fincher (com roteirode Steven Zaillian) parece umamariposa dando voltas em volta da lâmpada para esquentar em seus 158 minutos. Oprimeiro (ainda que com alguns furos) aposta na inteligência do espectador, osegundo o subestima e passa o tempo todo explicando e justificando cada ato“insano” (a cena na loja do tatuador é constrangedora: fazer tatuagem dói!).

Um opta pela sutileza e o outro se apega asituações-clichês. Como, por exemplo, as(questionáveis) sequências dos estupros, que têm uma força impressionante naversão sueca, e não passam de gratuidades (quase risíveis) na americana. Se emsua notável performance, o ator PeterAndersson imprime uma personalidade asquerosa no repulsivo tutor Nils Bjurman, o mesmo não pode ser ditoda interpretação insossa de Yorick vanWageningen que (mal dirigido) só falta dizer para a vítima: com licença que vou estuprá-la e medesculpe, por ser de maneira não convencional, não ortodoxa, não papai-mamãe.

Para cada“caco” retirado do filme original, Fincher acrescentou dois ou três na sualeitura alucinada e videoclipista piegas. Perde tempo explicando e inserindo coisasdispensáveis (gato mensageiro: olha o que farei com você!, editora da Milenium: quer ser meu sócio?), situações descartáveis (reencontro de vítima eestuprador no elevador: tô de olho em você!) e passa a toda velocidade pelo que realmente importa.Dificilmente quem não conhece a obra original vai consegui entender os códigos(estilo Dan Brown) e sequer a “análise do material” que leva à solução do caso.Ao optar por uma versão mais romantizada, buscando a emoção fácil do espectador(que gosta de gatinhos e filhos abandonados), o diretor banalizou a história original,para o entendimento e aceitação do publico médio (americano?). Assim, ojornalista Mikael perde a perspicácia,a hacker Lisbeth a intensidade, e oespectador a paciência. Comparado ao original (e não tem como não comparar) estaversão burocrática e didática é um caça-níquel (de fãs) apenas razoável. Isso,por conta da excelente abertura e das boas atuações de Craig e Rooney que,ficam aquém dos atores suecos: Michael Nyqvist (Mikael) e Noomi Rapace (Lisbeth).

Em interessanteentrevista à Mariane Morisawa, postada na RevistaÉpoca (online), em 22.01.2012, falando sobre violência, bilheteria e as significativas diferençasentre a versão europeia e a sua, o pretensioso diretor David Fincher disse: “Vi o original uma vez. Não tenho comocomentar. Me lembro de achar que era muito bonito, muito arrumadinho. Acho quenosso filme é mais sujo, mais desleixado... E há mais flashbacks do passado. Éprovavelmente mais Hollywood.”

Crítica: Attack the Block - Ataque ao Prédio

2012-01-22T16:30:00.002-02:00

A ficçãocientífica inglesa Attack the Blocké daquelas boas surpresas que você, praticamente, só fica conhecendo seconectado no troca-troca de mensagens na rede.

Ataque ao Prédio (Attackde Block, Reino Unido,Irlanda do Norte, 2011) do diretor britânico Joe Cornish, roteirista de AsAventuras de Tintim: O Segredo do Licorne, do Spielberg, é uma ficçãocientífica diferenciada na proposta do terror. Em sua estranheza, não secompara ao excelente Distrito 9, de Neill Blomkamp, mas se aproxima, digamos, mais pelohumor inglês, ao ótimo Todo Mundo QuaseMorto, de Edgar Wright, que também roteirizou Tintim.

Comroteiro do próprio Cornish, o filme apresenta protagonistas que, a princípio,não causam nenhuma empatia no espectador. Muito pelo contrário, o que ele senteé repulsa, diante de uma gangue de marginais adolescentes que apavora osmoradores vizinhos ao seu prédio (bloco residencial), na periferia da periferialondrina. Socialmente alijados, os adolescentes Moses (John Boyega), Pest (Alex Esmail), Jerome (Leeon Jones), Biggz (Simon Howard), e Dennis (Franz Dameh) se impõem causando terror às vítimas. Assim, enquantocometem seus delitos e fogem da polícia, cada garoto busca se destacar como omacho alpha do grupo que também desperta o interesse de dois meninos Mayhen (Michael Ajao) e Probs (Sammy Williams). É nessa necessidade deautoafirmação, demarcação de território, que os garotos acabam entrando numaconfusão do cão.

Numanoite festiva os adolescentes estão “trabalhando” e logo após vitimarem aenfermeira Sam (Jodie Whittaker), dão de cara com uma criatura que despencou docéu. Em vez de deixar o assustado bicho quieto eles resolvem atacar e oresultado não poderia ser mais catastrófico. Sabe aquela história de que atrásde um a bola tem sempre um menino? Pois é, atrás deste alien tinha outros que não gostaram nada do que os garotos fizeramcom um importante membro de sua espécie. Aí a vingança dos bichos peludos, tipolobos negros como a noite e com dentes fosforescentes, é maligna, para a ganguee quem entrar no meio deles.

O bacanadeste drama, com pitadas de humor negro e humor inglês, que o públicobrasileiro não é muito chegado (prefere a escatologia americana e brasileira),é que a sua história foge do clichê aliens conquistadores versus exércitoamericano. Aqui é o pequeno grupo de moradores do bloco (onde convivem ladrões,traficantes, viciados, imigrantes, em sua maioria, negros) que tem que sedefender, por conta e risco, dos “monstros siderais” que estão na Terrasimplesmente por conta do seu instinto animal. Só por isso. O planeta com seushumanos não lhes interessa em nada. Genial!

Ataque ao Prédio (lançado apenas em DVD) é um filme debaixo orçamento, com efeitos especiais simples (mas não medíocres), bom roteiroe uma narrativa que foge das mesmices hollywoodianas. Trama, que faz referência irônica ao conto do Lobo Mau e o Chapeuzinho Vermelho, deCharles Perrault, numa (in)versão (de interesse) bastante violenta, flerta comos bons filmes “B” e às produções de John Carpenter. É um drama envolvente que,em pouco tempo, num discurso que justifica mas não os isenta dos atosdelinquentes, faz o espectador rever seu ponto de vista sobre os personagensmarginais. Trazendo um elenco jovem e eficiente, com a participação de atoresconhecidos, como Whittaker e Nick Frost(traficante), a produção despretensiosa, recheada de diálogos chulos (linguajarde guetos) e com sabor de pulp fiction,é a típica diversão rapidinha. Em pouco mais de 80 minutos e sem exigir muito, satisfazo espectador. Já que os “arrasa-quarteirão” estão cada vez mais explosivo e cadavez menos criativos, variar faz bem, treina o olhar para analisar melhor o quevê por aí.

Crítica: As Aventuras de Tintim: O Segredo do Licorne

2012-01-18T16:50:00.000-02:00

Quando Hollywoodvolta seus cobiçosos olhos para o mundo dos quadrinhos, em busca de inspiração,os fãs de HQs tremem na base, porque sabem que a Meca do Cinema pouco (ouquase) nada se importa com a fidelidade às fontes inspiradoras. Com o tempo elesaté aprenderam que uma coisa (HQ) é uma coisa e outra coisa (Hollywood) é outracoisa. Não que isso satisfaça, mas é uma boa desculpa para não enfartar. Noentanto, a simples menção de uma possível “releitura” de Akira (de carne eosso) causa arrepios em muita gente (inclusive em mim). Mas, e o que dizer de As Aventuras de Tintim, de GeorgesRemi, o Hergé (1907 - 1983), segundoSteven Spielbeg (direção) e Peter Jackson (produção)? Ah, comcerteza vai dividir opiniões.

As Aventuras de Tintim: O Segredo doLicorne (The Adventures of Tintin, EUA, NovaZelândia, 2011) de Spielberg, que a meu ver se sai melhor em filmes de aventurae ação, do que em melodramas piegas, já começou 2012 ganhando o Globo de Ouro, de melhor animação. Se em cinema nem sempre um currículo contapontos, aqui ele faz a diferença. Tendo por base três curiosas histórias deHergé: O Segredo do Licorne (1943), O Caranguejo das Tenazes de Ouro (1941)e O Tesouro de Rackham, o Terrível(1944), a responsabilidade do excelente roteiro não poderia estar em melhoresmãos: Steven Moffat (escritor de Doctor Who), Edgar Wright (diretor de TodoMundo Quase Morto e Scott PilgrimContra o Mundo) e Joe Cornish(diretor de Attack the Block). Umescocês e dois ingleses que sabem muito bem como falar com o públicoinfantojuvenil, principalmente com aquele adolescente que odeia mesmice.

Estaprimeira animação (de três), que procura ser fiel aos quadrinhos (adaptando enão recriando), serve como um cartão de visitas, apresentando (principalmentepara o público americano que não conhece Tintim)personagens importantes no universo do herói. Tudo começa numa bela manhãquando, em uma Feira de Artes e Antiguidades, logo após posar para um artista(Hergé), Tintim (Jamie Bell) compra uma bela maquete do navio Licorne e descobre queum sujeito estranho e o sinistro Sakharine(Daniel Craig) estão interessados namesma peça. Tentando descobrir a razão de tanto interesse por um objetorelativamente barato, ele e o seu fiel fox terrier Milu acabam “embarcando” numa fascinante viagem, repleta deperigos, onde conhecem o beberrão e quase sempre ranzinza Capitão Archibald Haddock (AndySerkis), que vai lhe fazer companhia em muitas outras aventuras, e acantora de ópera Bianca Castafiore (Kim Stengel), que também vai dar o arda graça futuramente. A única certeza que o corajoso jornalista tem é a de que,se (realmente) precisar e não tiver muita pressa, pode recorrer aos serviços dosdesastrados agentes policiais Dupond(Simon Pegg) e Dupont (Nick Frost), osseus eternos coadjuvantes.

O Segredo do Licorne é uma animação belíssima, divertida, e comaquele ritmo de ação e aventura característico de Spielberg (correria epancadaria com muito humor) em seus filmes meio família. Muita gente vai selembrar do intrépido Indiana Jones, masé bom que se diga: Tintim já eraintrépido muito antes do Indiana. Ascaracterísticas dos personagens de Hergé foram mantidas. Talvez haja algumexagero na bebedeira de Haddock, masé dela e das trapalhadas de Dupond e Dupont que saem as melhores gags. A fantásticaabertura do filme em 2D já diz a que veio. Ou quase. O deslumbramento visual dahistória que a segue, então, do primeiro ao último quadro, é indescritível. É difícil saber se o que envolve o espectadoré a excelência da narrativa de mistério ou os cativantes Tintim, Milu (espontâneos)e Haddock (dramático).

SegundoHergé: “Sou eu, sob todas as formas!Tintim, quando quero ser heróico, perfeito; os Dupondt, quando sou estúpido;Haddock, sou eu quando tenho vontade de me exteriorizar.” O jornalistaperspicaz, com cara de adolescente e audácia de gente grande, que ganhou aBélgica em 10 de Janeiro de 1929, é um personagem que evoluiu à medida que oseu autor adquiria conhecimento real da geografia, da história, do comportamentosócio-político dos povos em todo o mundo. Alguns críticos e estudiosos ainda sedebruçam sobre as publicações, analisando histórias como Tintim no País dos Sovietes, Tintimno Congo, Tintim na América, porse acreditar que elas caracterizam uma ideologia fascista, colonialista, racista.Bem, não deve ser fácil analisar obras de ontem com os olhos de hoje, numcontexto completamente diferente.

Polêmicasà parte, a verdade é que, em pouco tempo, Tintim ganhou a Europa e, bem antesde chegar a Steven Spielberg e Peter Jackson, a suas aventuras investigativasganharam o cinema e a televisão. Em 1947, Claude Misonne dirigiu a animaçãobelga, feita com marionetes, de Ocaranguejo das tenazes de ouro. Nos anos 1960 foi a vez de duas adaptaçõescom atores: Tintim e o mistério do Tosãode Ouro, dirigida por Jean-Jacques Vierne (1961), e Tintim e as laranjas azuis, por Philippe Condroyer (1964). Navirada da década o jornalista aventureiro voltou ao mundo animado com Tintim e os prisioneiros do sol, longadirigido por José Dutillieu (1969), e Tintime o lago dos tubarões, por Raymond Leblanc (1972). A televisão popularizouainda mais o personagem. Entre 1958 e 1963 a Belvision produziu 104 episódiosanimados de As Aventuras de Tintim, porHergé e, em 1991, a Ellipse Programmé (França) e a Nelvana (Canadá) lançaramAs Aventuras de Tintim, uma série em39 capítulos que fez a alegria da criançada. Esta última série passou pela TVCultura e (re)estreia nesta sexta (20) no Canal Futura.

Em produçõesdesse porte é até redundante falar de tecnologia (de cair o queixo) na capturadigital de movimento, que tem em Andy Serkis (King Kong, Gollum, Cesar) um dos mestres na interpretaçãocom "motion capture", técnicausada anteriormente (com eficiência) em animações como: O Expresso Polar (2004) e ALenda de Beowulf (2007), de Robert Zemeckis; A Casa Monstro (2006), de Gil Kenan; Marte Precisa de Mães (2011), de Simon Wells. E ou destacar obom uso da plataforma gráfica (e cenográfica) com um dos melhoresaproveitamentos do 3D. Resta saber se a animação que tem tudo para agradar osfãs das HQs e seriados televisivos, continuará com a mesma qualidade na próximaaventura com direção Peter Jackson. Enquanto isso não acontece é sentar ecurtir o ótimo passatempo (se possível em 3D).

Crítica: Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras

2012-01-14T10:29:00.000-02:00

Quem sedivertiu com a releitura de Guy Ritchie para o notável Sherlock Holmes e seu fiel parceiro Dr. Watson, não vai ter o quê reclamar desta segunda aventura deação e mistério, com altas doses de humor, do ilustre morador da 221B BakerStreet, London.

Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras (SherlockHolmes: A Game of Shadows, RU, EUA, 2011), com direção de Guy Ritchie, traz o astucioso Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.), muito mais alucinado e cerebral, frente afrente com o seu maior inimigo, o gênio do crime conhecido como Professor Moriarty (Jared Harris). Os dois têm como arma de ataque e defesa oraciocínio lógico. O inescrupuloso Moriartyaposta na força dos seus capangas. O sagaz Sherlockconta com a valiosa colaboração de seu melhor amigo e bom de briga Dr. Watson (Jude Law), que por acaso é o seu biógrafo.

Baseadono roteiro de Michele Mulroney e Kieran Mulroney, levemente inspirado nodramático conto O Problema Final, deArthur Conan Doyle (1859/1930), publicado em 1893, que pode ser lido em MundoSherlock , OJogo das Sombras tem uma narrativa ágil e divertida. A sua trama, que seesparrama por Londres, França, Alemanha e Suíça, é mais complexa que a doprimeiro filme e pode até confundir quem gosta de algo mais linear, mas jamaissubestima a inteligência do espectador. Pelo contrário, aguça! Se ele gostar deenigmas (e não souber coisa alguma sobre o desenvolvimento da história) vaiconseguir solucionar o caso juntamente com Sherlock.É que a narrativa espalha pistas em diversas cenas. Algumas são bem rápidas eoutras parecem dizer: “Preste atenção emmim!”.

O grandemistério a ser desvendado se passa em 1891, quando funestos acontecimentos,envolvendo autoridades, abalam a Europa. Para um observador comum, seriam açõesterroristas sem qualquer ligação. Mas, para SherlockHolmes, os assassinatos e atentados a bomba (em período tão próximo) nãosão mera coincidência. Ele ainda não sabe qual é a real intenção dos atoscriminosos, mas acredita que somente uma pessoa seria capaz de tamanhainsanidade, o nefando Professor Moriarty.O único problema é que ele não tem como provar, já que o diabólico matemáticodo crime, que se passa por um cidadão acima de qualquer suspeita, não deixarastros. Prevendo uma catástrofe mundial, ele “convoca” o Dr. Watson (usando as chantagens de sempre) para ajudá-lo asolucionar o complicado caso. Para apreciar o fantástico xeque-mate e saber quem afinal é o rei, a torre ou o cavalo, neste tabuleiro de intrigainternacional, é preciso saborear o jogo de cena do esquentado Sherlock e do frio Moriarty. E acredite, não tem nada a ver com o jogo de xadrez ensaiadoem Roubo nas Alturas, de Brett Ratner.

Aprodução de Sherlock Holmes continuaimpecável. Os efeitos especiais são impressionantes, principalmente as belas enada gratuitas sequencias em câmera lentíssima. Downey Jr e Law são um show àparte, têm uma química impressionante e carisma de sobra para muitos outroscapítulos da história. Jared Harris se sai muito bem na pele do vilão, mas quemrouba a cena é Sthephen Fry, interpretando(com seu peculiar humor inglês) MycroftHolmes, o irônico irmão do detetive e que, segundo Sherlock, além de mais brilhante que ele próprio, possuía um sensode observação e de dedução muitas vezes superiores ao seu, apesar de lhe faltara energia e a convicção para isso: “Elenão tem nem energia, nem ambição. Ele não se incomodará a ponto de sair da suarotina para verificar suas próprias soluções. Preferirá se considerar errado ater que provar que está certo. Diversas vezes submeti-lhe um problema e recebiuma explicação que, mais tarde, se comprovou correta. E, mesmo assim, ele semostrou incapaz de analisar os pontos práticos do problema.” Mas o que deveintrigar o público são os novos e geniais disfarces de Sherlock. Impagáveis!

Crítica: A Hora da Escuridão

2012-01-12T14:32:00.000-02:00

Ali pelos anos 70, frequentando um cineclube,em Brasília, assisti ao magnífico AlexanderNevski (1938), de Sergei Eisenstein(1898 - 1948), um dos mais belos filmes que já vi. Inesquecível! No final Alexander tem a sua fala mais memorável: “Vão e digam a todos, em terras estranhas, que a Rússia está viva. Quevenham nos visitar. Mas, quem vier com ferro, com ferro será ferido. Assim é, eassim sempre será na terra russa.” Por que estou me lembrando deste clássicoagora? Pelo patriotismo genuíno, quando da invasão dos Cavaleiros Teutônicos,em Alexander Nevski e o patriotismode ocasião, quando da invasão dos ETs Fractais, em A Hora da Escuridão.

Hãããnnn? Explico: A Hora da Escuridão (The DarkestHour, EUA, 2011) de Chris Gorak,narra as aventuras desastrosas de quatro jovens americanos e um sueco pelasruas de Moscou, durante recente ocupação (também) alienígena da bela capitalrussa (que mais parece terra de ninguém). Hãããnnn? É o seguinte, Sean (Emile Hirsch) e Ben (Max Minghella) são doisweb-empreendedores que vão à Moscou vender a ideia de uma Rede Social (queindica os melhores points em todo omundo) e lá eles descobrem que um empresário sueco, Skylar (Joel Kinnaman), estánegociando o mesmo projeto (engraçado, acho que já vi esse filme!). Estranhosnuma terra estranha, os jovens resolvem afogar as mágoas no point dos points russos: Zvezda Nightclub, onde conhecem as turistasamericanas Natalie (Olivia Thirlby) e Anne (Rachael Taylor), queiam para o Nepal, mas por um erro de escala desembarcaram em Moscou, e ainda dãode cara com Skylar, comemorando osucesso do seu empreendimento.

Para encurtar, no melhor da festa um blecauteleva os frequentadores para fora do bar onde, maravilhados e estarrecidos (issoé possível?), eles assistem a uma chuva de algo parecido com fractais (tipo águas-vivasluminosas) que vaporizam todo ser vivo que tocam. Acredite, esses seresestranhos querem transformar todo mundo em cinza purpurinada. Até parece quegeneralizaram a fala creditada a Américo Issa (se não me engano), o cenógrafodo genial Dzi-Croquettes: “Bicha não morre, vira purpurina!”. Bom, entremilhões de pessoas os cinco protagonistas aparentemente são os únicossobreviventes. Os americanos, feito bebês chorões, só querem saber de voltarpara casa, para o colo da mamãe. O sueco não tem certeza de nada. Meio ao caos,nessa jornada do salve-se quem puder, eles acabam descobrindo que não estãosozinhos (oh!). É um “cientista” maluco aqui e uma versão russa de o Incrível Exército de Brancaleone(1966), de Mario Monicelli (1915 - 2010), acolá. Aí, o que era americanófilovira russófilo e desanda de vez a patriotice sobre a importância da família e aunião de forças na defesa da sua casa/terra (americana e russa). Então só restaao cinéfilo se deixar levar por um tornado de emoções baratas e se render à enaltecedorafala de Dorothy, ao final de O Mágico de Oz (1939), de VictorFleming (1889 - 1949): “There is no place like our home” - “Não há lugar comonosso lar”.

Baseado no roteiro de Jon Spaihts, o filme deação e aventura, com algum suspense, até que tem alguns achados que são logoperdidos, já que o roteirista e o diretor não sabem o que fazer com eles. Porexemplo, criar ETs “invisíveis” é umaideia bacana, pena que, antes de apagar, mostram a sua cara (adivinhe!) de Alien. Outra sacada legalzinha é a daslâmpadas. Tem mais uns dois lances, mas é melhor que o espectador descubra (sepuder) por conta própria. E já que a criatividade não é o forte do argumento, lávai ele para o lugar comum dos invasores: atropelar tudo que encontrar pelafrente para roubar algo que poderia se pego (in natura) longe da vista de todos os humanos. Lógica que é bom,nada! Por falar nisso, a Terra está parecendo a Casa da Mãe Joana. É um tal de ETs dizimando gente para explorar a água(Invasão do Mundo: Batalha de LosAngeles), o ouro (Cowboys & Aliens), o minério (Guerra dosMundos), o vegetal (ET)..., quenão acaba mais. Caramba, tudo aqui, tudo aqui. Quer dizer, tudo nos EUA, tudonos EUA. Ah, e agora também na Rússia! E só para situar, o ataque destes novos ETs, com seus tentáculos acesos, lembraum bocado o ataque daqueles velhos ETsdo Spielberg que explodiam (ou será que vaporizavam?) os humanos em Guerra dos Mundos (2005). Será quedesenvolveram ou negociaram a mesma tecnologia letal? Pode ser meracoincidência!

A Horada Escuridão tem lindos enquadramentos de Moscou, mas (e daí?) a suahistória (para) adolescente não empolga, não convence. Os “diálogos” óbvios sãotão pavorosos quanto o roteiro frouxo. Algumas sequências (de tão ridículas) setornam risíveis. Será que ao buscar a Embaixada Americana os jovens realmente acreditamque, por ser americana, ela não será atingida? Enfim, se fosse menospretensioso A Hora da Escuridão até seriaum bom trash. Infelizmente, na suacara pirotecnia, não tem material suficiente para o lado mais “B” da ficçãocientífica. Substituir o tradicional negro (cota) por um sueco e o latino(cota) ou asiático (cota) por uma loira burra, não fez nenhuma diferença étnicano descarte final, já que o elenco não têm química e não há performance algumaa destacar. Os efeitos especiais retrô dos ETs,aos modos das abstrações digitais dos anos 80, são fogo-fátuo. Pensando melhor,acho que tem algo memorável sim, o gato DJLance Rock e a sua teia luminosa. Pena que o seu tempo em cena seja tãocurto (no circuito). Ah, enquanto isso,o tenso e divertido filme inglês de ficção científica Attack the Block, do estreante diretor Joe Cornish, saiudiretamente em DVD. Vai entender.

Crítica: Tudo Pelo Poder

2011-12-23T22:19:00.000-02:00

Em brigade cachorro grande, ou melhor, de burro grande, sedento de poder, o melhor afazer é assistir de camarote. É claro que sair respingado de lama é umapossibilidade, mas quem entra num circo, com o picadeiro em chamas, é para sequeimar, não é?

Baseado napeça teatral Farragut North, de BeauWillimon, Tudo Pelo Poder, dirigidopor George Clooney, se passa em DesMoines, Iowa, a poucas semanas do partido democrata escolher o candidato idealpara concorrer à Presidência dos EUA. No primeiro ato o foco está nosbastidores da campanha do governador MikeMorris (George Clooney), um políticoliberal cujo discurso progressista vem despertando interesse em todos ossegmentos da sociedade. Determinado a vencer este jogo ele confia najovialidade e eficiência do diretor de comunicação Stephen Myers (Ryan Gosling)e na supervisão do experiente Paul Zara(Philip Seymour Hoffman), que travamum corpo a corpo com o maquiavélico TomDuffy (Paul Giamatti), quetrabalha para o candidato Senador Pullman.No segundo ato, a descoberta de fatos graves, um envolvendo a estagiária Molly Stearns (Evan Rachel Wood) e outro que relaciona Myers a Duffy, podendocomprometer toda a campanha, coloca em cheque o compromisso do jovem assessorcom a verdade do candidato que defende e aquela em que ele acredita.

O drama,com todos os elementos pertinentes ao thriller político, faz um coeso exercíciode reflexão sobre integridade humana. Clooney (o diretor), que escreveu oroteiro, com Grant Heslov e Beau Willimon, mergulha com maestria num assuntoque sempre rende muito na imprensa americana: fidelidade (partidária e familiar),explorando bem o afiado papel das redes de comunicação nas investidas dadissimulada colunista política IdaHorowicz (Marisa Tomei).

Ao desenhara (des)construção de um candidato ao governo americano, a narrativa (catárticapara muitos espectadores) propicia uma leitura que vai muito além do “belo” discursoóbvio (dos sacrifícios nacionalistas) que embala o cinismo dos pretendentes aocobiçado cargo de “senhor do mundo” e daqueles que o assessoram. Uma leituraque melancolicamente reforça o velho pensamento de que, quando se fazconcessões, abre-se mão dos sonhos coletivos. Num jogo em que a dialética setorna retórica e se entorna em eloquência, e a única alternativa é ganhar,talvez o idealismo não seja tudo afinal.

No vale Tudo Pelo Poder, cabe a Sthephen Myers a função de abrir e fecharas cortinas do palco montado para o show impecável de Mike Morris, ambos prisioneiros do próprio discurso (moralizador?).Aí é que a excepcional fotografia de Phedon Papamichael faz a diferença. Semser redundante, compõe no cenário, através de luz e sombra, aquilo que odiálogo oculta ou o que não precisa (ou não pode) ser dito. É à meia-luz que,por duas vezes, somos apresentados a Myers.Na primeira, ele é o sujeito iluminado que sonha o sonho do seu candidato e saidas sombras (do poder) para testar o som (e não o discurso), num palco (àmeia-luz), degustando as palavras. Na segunda, ele é o sujeito frio que voltaàs sombras (do poder) para falar sobre os rumos da campanha, num palco (à meia-luz),degustando o silêncio. Na política os refletores podem iluminar, com a mesmaintensidade, sonhos e pesadelos. Mas, na penumbra, todas as falas são parcas.

Nascoxias, onde segredos são desvelados e tramas são tecidas, pode se perder ainocência, mas não o (bom ou mau) caráter. Quando a traição iminente alcança oponto e muda a representação, já não importa quem “apunhalou” e ou se deixou “apunhalar”,uma vez que os despojos apenas mudarão (ou não!) momentaneamente de mãos. Nãofosse a política brasileira repleta de escândalos explícitos que (provados ecomprovados) dão em nada, e assim continuará enquanto o eleitor brasileiro (obrigado a votar) não se importar, o excelente Tudo Pelo Poder, na exposição crua do lixo (corrupção, mentira, blefe,chantagem) que nos embriaga, até causaria algum barulho. Com narrativa e atuaçõesmagníficas, ele é, sem dúvida, eficiente e (ainda) necessário (ao públicojovem), mas no atual estágio do Paraíso da Impunidade, nem marola.

Crítica: Compramos Um Zoológico

2011-12-22T10:14:00.000-02:00

Se há um “gênero”querido (e rendoso) no cinema americano é o sempre edificante baseado em uma história real. Todo ano élançado ao menos um filme explorando o tema e, dependendo da intensidade dofoco (relações sociais, familiares, religiosas, trabalhistas), acaba até indicadoao Oscar. Geralmente são produçõescom variações “biográficas” sobre um cidadão americano (ou quase) que, contratodas as adversidades da vida, torna-se um vencedor. Um exemplo heroico a serseguido em todo o mundo.

Inspiradona vida de Benjamin Mee, um ex-colunista britânico do The Guardian eautor de We Bought a Zoo: The AmazingTrue Story of a Broken-Down Zoo, and the 200 Animals That Changed a FamilyForever (algo como: Compramos umJardim Zoológico: A Incrível História Verídica de um Jardim Zoológico Falido eos 200 Animais que Mudaram Para Sempre a Vida de Uma Família), o drama Compramos Um Zoológico, de Cameron Crowe, é o baseado em uma história real, da vez (de fim de ano). Ele “mostra”como a família de Mee comprou o falido Dartmoor Zoological Park, na Inglaterra,para onde o autor se mudou com a mãe, a mulher Katherine (que morreu três mesesantes da reinauguração), os filhos Ella e Milo e o irmão Duncan, e o transformouem uma grande atração turística. A história dos Mee foi contada, anteriormente,em quatro episódios, no documentário Ben’sZoo, do canal BBC2.

Na tramacinematográfica, a ação foi transferida para a região de Los Angeles, nos EUA.Lá acompanhamos o dia a dia de BenjaminMee (Matt Damon), ex-colunistade um jornal da cidade que, na tentativa de superar a morte da esposa e melhoraro relacionamento com os dois filhos, Dylan(Colin Ford), de 14 anos e Rosie (Maggie Elizabeth Jones), de 7, se muda com a família para ointerior, onde comprou uma casa que abriga, no quintal, o Rosemoor WildlifePark, um zoológico falido. O desafio (e válvula de escape) de Mee cresce na medida em que seu plano deuma nova vida familiar esbarra nas dificuldades para restabelecer o zoo, precariamenteadministrado por Kelly Foster (Scarlett Johansson), que conta apenas comuma pequena mas abnegada equipe para cuidar de animais doentes e em extinção.

O drama,com pitadas de humor, é simpático. Otimista ao extremo, e não poderia serdiferente (?), tem uma narrativa que anda na corda bamba do clichê fácil e dapieguice. É um filme linear que cumpre à risca o propósito do roteiro de Crowee Aline Brosh McKenna, se bastando no retrato de pessoas comuns vencendo ospercalços familiares e profissionais. Não se aprofunda na somatização da dor deBenjamin, que sofre pela morte damulher e se culpa pela incapacidade de educar os filhos, principalmente oaborrescente Dylan, com quem nãoconsegue dialogar. Tampouco no trauma do menino que se isola num mundo defiguras fantasmagóricas. O que motiva a história é a determinação do cidadão(americano) que (sempre) resolve os seus problemas naturalmente, na horaadequada.

Compramos Um Zoológico (WeBought A Zoo, EUA, 2011) tem boas performances de todo o elenco. Os melhoresmomentos são arrebatados pela graciosa e doce Maggie Jones (Rosie), que iluminaa tela com a sua inocência e carisma. As sequências mais descontraídas (e ternas)ficam por conta da bela Lily Miska (Elle Fanning) e Dylan, vivendo a “complicada” descoberta do primeiro amor. Noacerto das contas pendentes, com a boa sorte sorrindo para todos (até para osanimais), o enredo até desenha um flerte entre Kelly Foster e Benjamin Mee,mas, sinceramente, o casal (de atores) não tem a menor química. A trilhafuncional, com boas músicas, é mais um complemento do que intrusão e a caprichadafotografia de Rodrigo Prietro emoldura bem o bucólico cenário. Um programa namedida para o público que gosta de se emocionar e ao final do espetáculo dizer:eu também posso!

Crítica: Missão Impossível - Protocolo Fantasma

2011-12-20T21:49:00.000-02:00

Ethan Hunt está de volta, agora com a promessa dechegar até ao fim da missão com uma confiável equipe de apoio. Quem conhece asérie de televisão e ou vem acompanhando a franquia no cinema sabe que, naverdade, a tal missão título está mais para difícil do que para impossível, jáque, de um a forma ou de outra, Ethansempre resolve, até mesmo as traições. Mas nunca se sabe quando as coisas podemsair de controle.

Missão Impossível - Protocolo Fantasma começa com uma fantástica perseguição,em que o espectador é apresentado a três agentes de campo, Trevor Hanaway (JoshHolloway), Jane Carter (Paula Patton) e Benji Dunn (Simon Pegg),incumbidos de encontrar um arquivo com os códigos de um arquivo nuclear. Nasequência, logo após ser resgatado de uma prisão, em Moscou, Ethan Hunt (Tom Cruise) é incriminado por um atentado terrorista ao Kremlin.Por conta do “incidente” internacional o governo norte-americano decide extinguira agência IMF (Impossible Missions Force), iniciando o Protocolo Fantasma. No entanto,um imprevisto coloca Hunt na pista dopsicopata Kurt Hendricks (Michael Nyqvist) e da bela e furtivaassassina Sabine Moreau (Léa Seydoux). Sem o apoio oficial da agência,com um policial russo, Anatoly Sidirov(Vladimir Mashkov), na sua cola, elevai poder contar apenas com os inexperientes agentes Jane, Benji e William Brandt (Jeremy Renner) para solucionar esta explosiva missão.

Apesar doótimo elenco internacional, MissãoImpossível - Protocolo Fantasma não tem um argumento dos mais originais naescalação do inimigo (russo) e no pomo da discórdia (míssil nuclear), mas o seuroteiro é redondo e os personagens (humanos) ganham em veracidade e muito bomhumor. Com a “extinção” da agência, os superagentes não são mais “super”. A boanotícia é que eles ainda podem contar com algum equipamento que tinham em mãose a má notícia é que nem tudo que têm em mãos funciona plenamente. Assim, largadosà própria sorte (para delírio dos espectadores), eles terão que dar conta damissão contando apenas com algum conhecimento básico e o treinamento padrão.Nunca um improviso valeu tanto.

Nestanova produção o importante não é o tema batido e sim a excelência da narrativa.Não fosse a ousada e competente direção de BradBird (Os Incríveis e Ratatouille), que parece desconhecer apalavra impossível, ele seria mais uma chatice com todos os clichês inverossímeisde filme americano de espionagem. Não é que MI-PF não tenha algum clichê, tem, mas quase não se nota. O humor éespontâneo e vai enredando o público desde o início. Ele surge nas maisdiversas situações, principalmente através do agente Benji, e acaba partilhado por Brandte Hunt. O bom é que humor nonsense nãodescaracteriza o clima de ação e aventura da trama, mas acrescenta muito maisemoção ao que já é de prender a respiração. Outro ponto positivo é que este quartofilme é independente dos outros. Não requer conhecimento prévio dos personagense muito menos que se tenha visto os anteriores.

Missão Impossível - Protocolo Fantasma é pura adrenalina! As sequências no edifícioBurj Khalifa (o mais alto do mundo), na belíssima Dubai, são “insanas”. Para realizá-las,Cruise (também) teria dispensado os dublês. Há todo um aparato técnico narealização dessa e outras tantas cenas empolgantes, mas o que se vê na tela é umatecnologia a serviço de uma história e não o contrário. É, sem dúvida, o melhore mais convincente dos quatro MI.Uma produção arejada onde até mesmo o enredo banal (mas bem resolvido)funciona. O único porém (nem tão porém assim) é que é um espetáculo para serassistido (se possível) no IMAX. Dificilmente em outra sala de projeçãoprovocará sensação tão vertiginosa.

Crítica: Alvin e os Esquilos 3

2011-12-18T12:06:00.000-02:00

O primeiro Alvine os Esquilos, em 2007, fez: Tcham! Osegundo, em 2009, fez: Tchum! Oterceiro, em 2011 vai fazer Tchabum!Pelo menos para os adultos acompanhantes das crianças fãs dos fofíssimosesquilinhos CGI (Computer GeneratedImagery) e suas irritantes vozes de hélio.

A nova aventurade Alvin e os Esquilos 3 (Alvin and the Chipmunks: Chip-Wrecked,EUA, 2011), dirigida por Mike Mitchell, traz Alvin,Simon, Theodore, na companhia das suas correspondentes Brittany, Jeanette e Eleanor, abordo de um (cafona) cruzeiro de luxo, curtindo merecidas férias e se preparandopara um evento internacional de música. Hiperativos, os célebres roedores logoestarão infernizando a vida dos passageiros e do compositor Dave Seville (Jason Lee), surpreso por encontrar o ex-produtor Ian (David Cross), vestido de pelicano, cuidando da segurança e diversãodas crianças. Assim, já que problema pouco é bobagem, o galanteadorirresponsável Alvin acaba aprontando uma confusão tão grande que, ele, os esquilos,Dave e Ian vão parar numa ilha tropical, onde vive a estranha Zoe (Jenny Slate). Ali, longe da civilização e em meio a acontecimentosbizarros (envolvendo Simon), a amizadee a confiança, que depositam um no outro, serão colocadas à prova.

A comédia musicalfaz referências a filmes como Os Caçadoresda Arca Perdida (1981), O Senhor dasMoscas (1990), Náufrago (2000), Madagascar (2oo5)..., mas não consegue fazergraça com o drama alheio. Uma vez que o público alvo é o infantil, será que todacriança (até mesmo a que esquecer o seu “Tico e Teco” em casa, babando no sofá,diante da TV) terá informação suficiente para entender a paródia da náufraga Zoe e as suas bolas mal-humoradas, e ouo drama dos “humanizados” esquilos perdidos na selva? Se os pais ouacompanhantes forem cinéfilos, vão ter lição de casa. Não custa lembrar que muitagente não entendeu as irônicas tiradas literárias, musicais e cinematográficaspresentes em Shrek (2001 a 2010), mesmofazendo parte do contexto.

O live-action, que se acredita ao gosto(?) dos pequeninos, tem bagunça, aventura, romance, ação e, claro, muita musicae dança. No entanto, carece de um clima mais zombeteiro e, no olhar de umadulto, sobram falhas. Algumas devem passar batido pelo público infantilbrasileiro, como a dublagem apenas dos diálogos. No Brasil, legendar músicas datrilha sonora, mesmo que extensão dos diálogos, é um tabu. Não creio que umacriança, sem domínio do inglês, entenda a razão das esquiletes cantarolarem (emversão alienígena) a “dramática" Survivor(imitação barata de I Will Survive),do Destiny’s Child, ao redor da fogueira, ou qualquer outra “canção” inserida natrama. E olha que a trupe de esquilos passa o tempo cantando (com voz de hélio)e dançando. Se bem que, uma vez que o inglês das canções é praticamenteincompreensível (daí a importância da legenda), talvez não faça mesmo diferença,já que é a mise-en-scène dos roedoresque entretêm a criançada de, no máximo, 10 anos.

Alvin e os Esquilos 3 pode serconsiderado o menos ruim da rendosa franquia, mas (também) não resiste a umaanálise simples, que vá além do mero entretenimento: bagunça, cantoria,bagunça, dança, bagunça. Pode ser irrelevante (?) para o público alvo, porémdeve causar estranheza (aos pais?) o fato dos esquilos serem tratados comocrianças (por causa do tamanho ou do desenvolvimento mental?), mas se vestirem ese comportarem como adultos, frequentando cassinos e boates, e serem especialistasna arte da sedução. Exagerada ou não esta sensação de desconforto, o fato éque, excetuando uma ou outra criancice de Theodore(porque só ele?), a maioria das coisas que os esquilos fazem é típica de jovensque já deixaram a adolescência para trás. Será um reflexo do atual cinemaamericano que explora, em comédias de gosto duvidoso, o comportamento adolescentetardio de homens e mulheres na faixa dos 30 anos?

Alvin 3 e não é um filmetotalmente à deriva, tem lá os seus acertos na animação dos graciosos (de bocafechada) esquilos e no argumento da mensagem que o fundamenta: a conquista daautonomia com responsabilidade. Infelizmente os desacertos são maiores e sefazem notar principalmente no desenvolvimento dos personagens esquilos versushumanos. Enquanto os bichinhos protagonizam os melhores momentos, Jason Lee (Dave) e o divertido David Cross (Ian), que poderiam dar um novo ânimo, umritmo diferenciado, principalmente Cross vestido de pelicano, foram relegados ameros coadjuvantes, têm alguma importância, mas não têm a menor graça. Não deveser fácil dirigir esquilos tão temperamentais, mas, como nem tudo na tela é CGI,alguma preocupação com a náufraga (de shopping) Zoe não faria mal. Com tal figurino e maquiagem não convence nem omais “ingênuo” dos espectadores de que está perdida naquela ilha há quase dezanos. Um filme para fãs!

Crítica: Roubo nas Alturas

2011-12-15T11:41:00.000-02:00

Sabeaquela sensação de déjà vu, queé cada vez mais notória no cinema popular americano? Pois é, pode ser quevocê a tenha quando assistir a “comédia de ação” Roubo nas Alturas, estrelada por Ben Stiller e Eddie Murphy. Naverdade, este filme dirigido por BrettRatner, com base no roteiro de Ted Griffin e Jeff Nathanson, está mais paraum drama de roubo, já que o humor é quase inexistente e a “ação” não empolga. Éclaro que tem uma ou outra piadinha escatológica (sem graça) de ocasião e a indefectívelsequência (enfadonha) envolvendo carros, mas elas funcionam apenas como tapaburaco.

Meio quea reboque do escandaloso caso de fraude (em Wall Street) do megainvestidor BernardLeon Madoff, o ex-presidente da Nasdaq (condenado a 150 anos de prisão) responsávelpor uma quebra de mais de 60 bilhões de dólares, em 2008, Roubo nas Alturas narra uma história possível, mas nadaconvincente. Alan Alda é o bilionárioinvestidor Arthur Shaw, que aceita “cuidar”das economias dos funcionários do luxuoso prédio onde mora. Ben Stiller é o honesto Josh Kovaks, o gerente do condomínio e responsávelpor confiar a grana dos colegas de trabalho ao investidor. Quando descobre quefoi enganado, Josh arranja um jeitode reaver pelo menos o dinheiro dos amigos, que investiu na esperança de umlucro fácil. Para burlar o “sofisticado” esquema de segurança do prédio eroubar o que acha que lhe é devido, ele contrata o gatuno Slide (Eddie Murphy), oseu afobado cunhado Charlie Gibbs (Casey Affleck), o ascensorista Dev’reaux (Michael Peña), a camareira Odessa(Gabourey Sidibe) e um falidoex-proprietário Sr. Fitzhugh (Matthew Broderick). Josh sabe que não pode esperar muitodesta trupe de ineptos, e logo o espectador se dará conta de que não podeesperar muito deste burocrático filme.

A princípio,por conta do mirabolante planejamento de roubo, o argumento pode remeter ao curiosoUm Plano Brilhante (Flawless, 2007), de Michael Radford, massó a princípio. Roubo nas Alturas,que segundo Murphy começou a ser idealizado em 2005, carece de um bom roteirocom, no mínimo, diálogos inteligentes. Não há nesta “comédia” de, digamos,costumes, a ironia peculiar nos personagens humilhados (ao menos na ficção), osarcasmo do populacho. O desconforto da periferia, do trabalhador imigrante quefaz das tripas coração para agradar o “patrão padrão branco”, é tão civilizadoque constrange. Falta ousadia e engenhosidade (além da sequência do elevador) aoplano do “justiceiro” Josh,travestido de Robin Hood de Nova York.Bem como uma boa dose de safadeza, para dar aquele gostinho de volta por cima,de virada de jogo na torre do xadrez, para o espectador entender o (óbvio) “trocadilho”que se anuncia no princípio da trama.

Aprodução tem alguns furos que atravancam a narrativa e sem o timing característicodos filmes do gênero, repete fórmulas gastas, sem ambições criativas e ourendimento dos bons atores, que parecem perdidos em um ensaio final para setestar alguns cacos. A discutível justiça (final) à revelia da Justiça (final),a primária aula de roubo no shopping e os estereótipos do “negro marginal” e do“branco trouxa” (vistos até no abominável QueroMatar o Meu Chefe, 2011) podem incomodar aquele público do politicamente correto.Mas, nada que um banho de realidade, ao sair do cinema, não aplaque. Roubo nas Alturas é um filme escapistaque se vê indiferente à previsível história com seus cacoetes e maniqueísmo. Éuma pena que, num assunto financeiro, que ainda desperta interesse dentro efora de Hollywood, seja tão evasivo no esperado olhar invasivo sobre a velhaWall Street e seus grandes e pequenos “poupadores”.

Crítica: O Gato de Botas

2011-12-09T21:10:00.001-02:00

O ano de 2011,que já presenteou os fãs de animação com os excelentes: Operação Presente, Rio, Kung Fu Panda 2, Rango, Carros 2 e (porque não?) Os Muppets, vai chegandoao fim com a estreia de mais uma imperdível produção: O Gato de Botas.

Saídodiretamente das páginas do livro Históriasou Contos do Tempo Passado com Moralidades (1697), conhecido também como Contos da Velha ou Contos da Mamãe Gansa, de CharlesPerrault (1628 - 1703), para o paródico e (claro!) irônico mundo de Shrek, o sedutor bichano de olhos pidõesmerecidamente retomou as rédeas de sua própria história, mesmo que o enredoseja outro. Com todo charme e safadeza ele volta às telas para viver uma aventuraque tem nada a ver com a narrativa clássica de Perrault, mas é tão cheia deação e fantasia quanto.

Oroteirista Tom Wheeler, com base noargumento criado por ele, Brian Lynch e Will Davies, escreveu uma nova origempara O Gato de Botas (voz: Antonio Banderas) que, ainda nainfância, trava profunda amizade com o problemático e vingativo Humpty Alexandre Dumpty (voz: Zach Galifianakis), o temperamental carade ovo (de Aventuras de Alice nopaís das maravilhas & Através do espelho e o que Alice encontrou por lá),e já adulto conhece a bela e maliciosa KittyPata-Leve (voz: Salma Hayek), amaior ladra de toda a Velha Espanha. Juntos, este improvável e ambicioso triode foras-da-lei vai enfrentar o temido casal de bandidos Jack (voz: Billy BobThornton) e Jill (voz: Amy Sedaris), para roubar os três grãosde feijão mágicos, que já pertenceram ao paupérrimo João, que terá um engraçadíssimo encontro com o Gato, numa prisão, ambos vítimas de um embaraçosoequívoco. O propósito do roubo dos feijões mágicos é até nobre: resgatar ahonra perdida..., desde que consigam provar que os fins (realmente) justificamos meios.

O Gato de Botas (Pussin Boots, EUA, 2011), dirigido por ChrisMiller, se passa antes do Gatoconhecer Shrek e o Burro Falante, lá no Reino de Tão Tão Distante. Como os autores não perdem nem a piada e nema paródia, o espectador vai se divertir com a Gansa dos Ovos de Ouro, o temeroso Pé de Feijão cruzando vertiginosamente o espaço, no melhor estilo Avatar, e as referências ao Zorro (estrelado pelo Banderas) e àerva-do-gato, entre outras. Ah, e também se deslumbrar com os gatosinstrumentistas, numa toca muito especial, e com a espetacular cenografia.

A engraçadaanimação ganha em agilidade, ao dividir a trama entre os três ótimosprotagonistas, sem esquecer o pavoroso e hilário casal marginal e seus javalis,que chegam a roubar (Ôps!) a cena. É evidente que o bom ritmo, o tempo de cadaum em cena e o entrelaçamento de todos, só é possível porque os novos personagens(heróis e bandidos) são cativantes, tanto no traço quanto na biografia. Assimfica fácil trabalhar uma narrativa inventiva repleta de humor, romance eaventura e (ainda) sutilmente falar de amizade, honestidade, família, honra,sem incomodar jovens e adultos. É redundância, mas, tecnicamente o filme(também) é irretocável, como as produções citadas acima. Quanto ao 3D (vi noIMAX), parece que somente as animações vêm acertando e apurando a tecnologia,salvo algum tremelique nas legendas, que não chega a incomodar.

Crítica: Noite de Ano Novo

2011-12-08T09:04:00.001-02:00

Por conta daconstelação de estrelas e celebridades, justificando a ordem alfabética doscréditos do elenco protagonista, Noitede Ano Novo (New Year’s Eve, EUA,2011), de Garry Marshal, parece, masnão é uma continuação de Idas e Vindasdo Amor (Valentine's Day, EUA, 2010), do próprio Marshal. SaiLos Angeles e entra New York com uma (nova?) trupe de solitários de ocasião, quetêm até a meia-noite do dia 31 de Dezembro de 2011 para encontrar, conquistar eou reconquistar um amor.

Baseado noroteiro de KatherineFugate (de Idas e Vindas do Amor), Noite de Ano Novo se passa (também) emapenas um dia. São pequenas histórias, pinceladas na metrópole americana, comalguma coisa em comum: a esperança! Enquanto aguardam o grande espetáculo doréveillon, na Times Square, adolescentes e adultos fazem planos e balanço doano e da própria vida. No baralho da sorte de cada um, as cartas alternamsonhos, desejos, culpas, encontros, desencontros, nascimento, morte..., comotodo fim de ano, em qualquer lugar do mundo. Ah, as promessas!

Noite de Ano Novo é um filme leve,para quem não é exigente e não se cansa da mesma lengalenga piegas e ou amorosa,na certeza de um final feliz. A sua narrativa traz “personagens” demais e históriasde menos. O que é um complicador. Não há tempo para o espectador se envolver,partilhar dores e alegrias. Ele é linear e bem ao estilo do “politicamente”correto, enaltece a família, a amizade, o casamento, o trabalho. Pudico (?) e civilizado(?), não explora o sexo e nem a violência (bom, tem uns dois tapinhas de amor euma tal de totoca). Para os eternos otimistas, pelo menos na tela, asresoluções cotidianas são de uma simplicidade ímpar.

Com seusinumeráveis clichês, Noite de Ano Novoé um drama romântico com pitadas de humor. Pitadas mesmo! Não tem baixaria, piadasescatológicas, trombadas, escorregões e coisas do gênero americano em filmesromânticos, comédia ou não. Na verdade, tem um escorregão, logo no início. Éuma metáfora óbvia(mente) e desnecessária, mas alguém deve ter achado que seriaengraçada. A sequência está mais para tragédia anunciada. Algumas “tramas”amorosas, ao alcance do público juvenil, beiram o ridículo. Tudo é muito raso, naexpectativa do beijo da meia-noite, na vida em condomínio, na comemoração e aténa fatalidade.

A produção, que traz no elenco Jessica Biel, Jon Bon Jovi, AbigailBreslin, Chris "Ludacris" Bridges, Robert De Niro, Josh Duhamel,Hector Elizondo, Katherine Heigl, Ashton Kutcher, Seth Meyers, Lea Michele,Sarah Jessica Parker, Til Schweiger, Ryan Seacrest, Hilary Swank e SofiaVergara, tem pelo menos uma história simpática que, se melhor desenvolvida,poderia resultar num filme bacana. Protagonizada por Zac Efron (Paul) e Michelle Pfeiffer (Ingrid), parece uma versão rasteira e às avessas do belíssimo Harold & Maude (Ensina-me a Viver,EUA, 1971), do diretor Hal Ashby,que narra a envolvente relação amorosa entre o destrutivo adolescente Harold (Bud Cort) e a alegre Maude(Ruth Gordon), uma mulher de 79anos. Nesta, digamos, curiosa “releitura” (onde não falta nem, a motocicleta), Ingrid é uma cinquentona amargurada queacaba encontrando no jovem e animado Paul,a energia e a criatividade que precisa para dar um novo rumo à sua vida.

Ralo ou não (tudona vida é uma questão de gosto), o que deve realmente incomodar muita gente, naromântica Noite de Ano Novo, é aquantidade de merchandising quepipoca pela tela, fazendo crer que pelo menos o elenco foi bem pago,independente da discutível “atuação” de cada um. O resto é padrão: técnica,trilha, fotografia etc. Agora é esperar para ver se, em 2012, fechando atrilogia, diretor e roteirista se animam em apresentar novos solitários comemorandoo Amor no Dia das Bruxas.

Crítica: Operação Presente

2011-11-30T22:46:00.001-02:00

Sabeaquela história de que Papai Noel écoisa de criança? Esqueça! A divertidíssima animação Operação Presente (ArthurChristmas, EUA, Reino Unido, 2011) está chegando para mudar estes e outros (prée pós) conceitos. Ah, e também mostrar os percalços da reengenharia, dasucessão e da aposentadoria, em tempos de alta tecnologia e da perda dainocência.

Dirigidopor Sarah Smith, que também escreveu o roteiro, em parceriacom Peter Baynham, a animação narra as aventuras e as desventuras do 20º. Papai Noel (em vias de seaposentar) e seus dois filhos, o meticuloso Steve(em vias de sucedê-lo) e o distraído Arthur(em vias de mais uma trapalhada). Não necessariamente nessa ordem. Tudo pareceir muito bem, no quartel general da FamíliaNoel e seus Elfos, mas, então, umaimperdoável falha do sistema ultra high-tech, desenvolvido e a coordenado por Steve, revela um presente sobrando e umacriança esperando por ele. Papai Noele Steve não acham o problema tãograve assim e, enquanto discutem de quem é culpa, Arthur e o esclerosado e sarcástico Vovô Noel (de 136 anos), tentam arranjar um jeito de entregar o talpresente. Arthur, que adora o Natal evê o seu pai (Noel) como um herói, éo responsável pela correspondência que recebe do mundo inteiro e ao se meternessa inesperada missão, além de se divertir, como nunca, vai descobrir overdadeiro significado do Natal.

OperaçãoPresente é uma clássica história natalina, cheia de magia e nostalgia, onde oque não falta é sincronia, empenho, cumprimento do dever e muita confusão,colocando a Família Noel, Elfos, Renas e o resto do mundoem pé de guerra. As piadas são rápidas, oportunas, e, realmente, engraçadas. Asequência na África é impagável, talvez a melhor do filme. O bacana é que anarrativa brinca com a tradição (trenó/rena) e a tecnologia de última geração(trenó/computador), com a Mamãe Noel abusando da internet.

A história é simples (mas não é rasteira) e cresce porconta da simpatia dos personagens (todos muito bem desenvolvidos) e de umaatualização do tema, que passa longe da pieguice, chegando até a flertar com o politicamenteincorreto (no drama e no humor). É irônico, mas também é ingênuo, gracioso. É umfilme-família, com uma mensagem legal, que pode ser visto, sem sustos, atémesmo pelos adolescentes, que vão rir muito com as fobias do desastrado Arthur.

OperaçãoPresente não subestima a inteligência do espectador. A produção (vi em 3D) éimpecável (com boa dublagem brasileira). As texturas das roupas, com referênciasnatalinas, são incríveis. É difícil imaginar que sejam computadorizadas. Osdetalhes (curiosidades espalhadas pelo filme) são um show à parte: estampa nablusa de Arthur, “camuflagem” na roupa (assinada) de Steve(repare no corte da barbicha dele!), a minuciosa decoração da sala de correspondência.Talvez o grande público não repare em nada disso, mas com certeza vai seemocionar com a cena das velas (uma homenagem antecipada a Steve Jobs?). Aanimação tem, é claro, um final edificante, por conta do tema, porém, o que chamaa atenção para ele, é a melancólica e arrepiante metáfora que o antecede, napolvorosa (ou seria pavorosa?) ação dos líderes mundiais, diante do que nãoconhecem (ou se esqueceram).

Crítica: A Pele Que Habito

2011-11-26T22:35:00.001-02:00

Quando meproponho a ver algum filme, não leio críticas e ou sinopses reveladoras. Prefirofazer a minha própria leitura. Sei que apostar no diretor e ou no elenco pode nãoser a melhor das alternativas, mas é pelo que vale arriscar, mesmo ciente deque nomes, passado e prêmios não garantem um bom espetáculo. Cinema (também) éuma cultura de risco! Assim, a sensação de ganho ou perda, de horas na sala,dependerá da minha expectativa. Vi APele Que Habito, bem depois do lançamento, na primeira de duas sessões, numcinema, praticamente, vazio.

Baseadono roteiro de Pedro e Augustín Almodóvar, APele Que Habito é uma ficção científica de horror B, inspirada no livro Mygale (lançado no Brasil pela EditoraRecord, com o título Tarântula), doescritor francês Thierry Jonquet (1959-2009). Em sua trama rasa e nadaconvincente, Antonio Banderas é oilustre e inescrupuloso cirurgião plástico RobertLedgard que, após duas tragédias em sua família e por razões pessoais, dededica à pesquisa de uma pele artificial e às novas técnicas de cirurgia,usando como cobaia a paciente Vera (Elena Anaya). A sua governanta é Marilia (Marisa Paredes), uma velha conhecida, cuja intimidade serádesvelada aos poucos.

Assisti atodos os filmes de Pedro Almodóvar quepassaram no Brasil. Alguns perderam um pouco do encanto numa segunda vista, mas,no geral, continuo gostando da grande maioria. Talvez por isso a frustraçãodiante de A Pele Que Habito (La Piel que Habito, Espanha, 2011), queme pareceu um cinema tributo ao próprio Almodóvar, por conta dos retalhos “referências”de outras produções suas costuradas aqui e ali. Os signos de cada autor são asua assinatura e com Almodóvar não é diferente. Seus filmes são reconhecíveis pelaousadia, pelas cores, pelas personagens femininas (e atrizes), pela bizarrice,pelo humor (negro) ou melodrama, sem que se leia seu nome nos créditos. Porém,desta vez, nem ele e nem os atores e seus personagens convencem. Todos (!) osseus clichês estão ali, literalmente à flor da pele: tortura, sadomasoquismo, supressãoda identidade, violência, submissão, crise familiar e sexual, vingança,mulheres, novelão, fetiche. Mas os elementos não têm liga. Se der continuidade,deu!

Aprodução flerta com a ficção científica (nem tanto por se passar em 2012, masporque, a despeito da existência de uma pele artificial, a ciência médica aindanão criou aquele tipo de pele inviolável (imune a fogo, cortes, picadas) etampouco tem tecnologia para modificar um esqueleto (da cabeça aos pés), comofaz o Dr. Ledgard. Se já era difícilengolir a o troca-troca de rosto de John Travolta e Nicolas Cage em A Outra Face (Face/Off), de JohnWoo, aceitar a modificação da ossatura humana é pior ainda. Haja metáfora eimaginação! É mais fácil acreditar que ClarkKent e Superman são duas pessoasdiferentes. Quanto ao horror B, ele se dá por conta do clima kitsch chic,beirando o trash, que a permeia: o “baiano brasileño” Zeca (Roberto Álamo),fantasiado de Tigre, seria hilário, não fosse ele uma ridícula caricatura bemao gosto dos gringos que ainda pensam que samba é rumba.

Apesar deAlmodóvar estar (ausente?) em tudo, do começo ao enfadonho e tolo final, A Pele Que Habito parece ter sidodirigido por um cover (dele) enroscado numa atadura. Todavia, nem tudo é um equívoconeste filme que se assiste bocejando. Há que se destacar a direção de arte, naminuciosa temática dos quadros espalhados pela casa-clínica de Ledgard, mas o que chama a atenção,mesmo, é o que se vê nas entrelinhas do leitmotiv, em duas belas sequências: ada releitura de Venus del Espejo, de DiegoVelázques (1599 - 1660), transformada em Venusdel Video, quando o doutor examina a sua paciente deitada nua, através deuma imensa tela de televisão (que remete ao belo Os Abraços Partidos); e o grito visual de Vera, ainda que prisioneiro, extrapolando a dor e se espalhandopela parede do quarto. Num melodrama sonolento e de pouco interesse, com umaóbvia “reviravolta reveladora” e um final, precedido de risível chantagem (!),pra lá de previsível, foi o que me valeu.

Crítica: Os Muppets

2011-11-24T21:01:00.000-02:00

Candidatoa uma das melhores comédias do ano, OsMuppets retornam aos cinemas literalmente em alto estilo, já que Miss Piggy, Caco, o Sapo (ou Kermit) eWalter, foram vestidos por grifesfamosas. Mais ousados, dramáticos, cômicos e malucos do que nunca, estesfamosos e adoráveis bonecos do mundo animado, criados pelo genial Jim Henson (1936 - 1990) fazem oespectador confundir as lágrimas do riso e da emoção. Vale muito cada umdelas.

Estasétima adaptação de Os Muppets (The Muppets, EUA, 2011), dirigidapor James Bobin, baseada no roteirode Jason Segel e Nicholas Stoller, traz um história muito bacana sobre a vidados artistas de show de variedades, depois da fama. Ou melhor, sobre osbastidores da fama, quando cai o pano, o público deixa o teatro, e a mídia some.O que fazer quando não se é mais uma celebridade? Os Muppets parecem ter a resposta, mesmo que, a princípio, ela nãofaça muito sentido.

Tudocomeça na adocicada Smalltown, EUA, um lugarejo onde os alegres moradores cantamfelizes. É dali que o amigável e distraído Gary(Jason Segel) e a sua namorada Mary (Amy Adams) saem para passar as férias em Los Angeles, levando juntoo pequeno grande Walter (fã número umdos Muppets e irmão de Gary), que acaba descobrindo uma armaçãodo megaempresário Tex Richman (Chris Cooper) e dos rabugentos Statler e Waldorf, relacionada à posse do velho Teatro Muppet. Para evitar opior, os três se juntam a Caco, natentativa de conseguir reunir toda a trupe dos Muppets, montar um Programa Teleton, arrecadar US$ 10 milhões erecuperar a casa de espetáculos. Em se tratando de bonecos sonhadores etemperamentais, a busca aos antigos colegas de palco, o resgate dos talentosperdidos, não será nada fácil, mas será hilária.

Com uma ótima história repleta de confusões,deliciosos números musicais e excelentes canções, Os Muppets é um filme lúdico, mágico, bem humorado, que mata asaudade dos fãs e diverte até quem nunca ouviu falar dos bonecos mais adoráveisda televisão, cinema e (agora) internet. Em poucos minutos ele conquista todo equalquer espectador. As piadas vão do nonsense ao surreal, sem esquecer aacidez dos oportunistas inoportunos e sempre rabugentos Statler (Nós não queríamosestar no filme, mas achamos que era nosso dever.) e Waldorf (É, alguém precisavaalertar ao público sobre o que vão assistir. O mínimo que as pessoas podem fazer é compartilhar nosso sofrimento.)com suas tiradas sarcásticas sobre o espetáculo e principalmente sobre o elenco,se divertindo com o próprio desgosto cultural. Ele brinca com as mídias, ascelebridades e os negócios artísticos, mas também fala sério, ao destacar aimportância de cada integrante numa montagem teatral.

Como já étradição em produções anteriores (desde a sua criação) Os Muppets traz, em situações inusitadas, astros como David Grohl, vocalistado Foo Figthers, tocando com Urso Fozzie na trash band Os Moopets, Jack Black, como parceiro deAnimal, numa clínica de tratamento degerenciamento de raiva, e Jim Parsons, num dueto (ou seria quarteto?) da bonitacanção “Man or Muppet”, de Bret Mckenzie, com Gary/Muppet e Walter. Temainda, Whoopi Goldberg, Zach Galifianakis, Emily Blunt, entre outros, emrápidas aparições. No entanto, celebridades coadjuvantes à parte, as grandesestrelas são mesmos os irônicos bonecos que, livres das “amarras”, roubam ascenas, até dos outros bonecos, como a impagável Miss Piggy, na pele de uma impagável e elegantérrima editora demoda extragrande da Vogue Paris, ou o simpático Walter, arrasando (também) no final encantador. É ver para crer!

OsMuppets, infelizmente, não apresenta divertidos erros de filmagem,junto com os créditos finais, mas, em contrapartida abre a sessão com oengraçadíssimo curta Um Pequeno Grande Erro (Small Fry), do Toy Story,mostrando como os brinquedos enfrentam seus traumas, em uma Terapia de Grupopara Bonecos Abandonados em Parque de Diversão. Portanto, não chegue atrasado.

Crítica: Os 3

2011-11-12T15:43:00.001-02:00

Os 3 (Brasil, 2011) éum filme brasileiro para quem gosta de cinema de qualidade e para restaurar aconfiança do público que entrou de gaiato numa sala e acabou se atolando napornochanchada em cartaz. Dirigido por NandoOlival, o drama cômico (e ou comédia dramática) narra o dia a dia de umdivertido triângulo amoroso formado por três jovens universitários: Camila (Juliana Schalch), Cazé (Gabriel Godoy) e Rafael (Victor Mendes), recém-chegados a São Paulo, que se conhecem em uma festa e decidemdividir um apartamento. Eles são sonhadores, têm segredos, algumas frustrações,e estão virando a página da adolescência. Para conviver como novos adultos, a únicaregra é não se apaixonar uns pelos outros. Mas, como é mais fácil falar sobrerelações (baseadas em amizade, amor, paixão, tesão) do que viver, eles vão serobrigados a rever seus conceitos, quatro anos depois, quando um despretensiosoprojeto de graduação (do grupo) cai nas graças de uma grande loja de departamentos,e vira do avesso a vida da garotada. Ou melhor, expõe na rede a estranha vidadeste adorável trio que já não sabe se a vida que leva é real ou puraencenação.

Por certo, algunscinéfilos vão se lembrar que o tema já propiciou a realização de clássicos e os jovens, menos informados, semuito, vão achar que tem a ver com aquela série chatinha: Aline. Bobagem, a coincidência está apenas no fato de ser um trio. Os 3 cheira a novidade e esbanjacontemporaneidade. É deliciosamente juvenil e jovial. Com roteiro do próprioOlival, em parceria com Thiago Dottori,ele enreda o espectador, aos poucos, numa trama bacana, que brinca com ametalinguagem e também com a armação dos sem noção reality shows, surpreendendoo espectador duplamente voyeur. Oelenco protagonista tem uma química toda especial e só o fato de não ser formadopor “atores” celebridades, daquela tal rede de televisão, já é uma grandevantagem.

Os 3 é extremamentesensual e delicado ao tratar de flerte, amor e sexo. Sabe quando insinuar, oquê e quando mostrar, sem precisar explicitar gratuitamente. Ele tem bonsdiálogos e um humor saudável, sem escrachos e piadas de baixo calão. A suacomicidade desperta o riso fácil e não a gargalhada espalhafatosa. Ter e sabernarrar uma boa história, já é meia metragem ganha, contar com ótimos atores,ajuda muito, mas Os 3 não sebastaria (nestes detalhes óbvios) sem a impressionante fotografia de Ricardo Della Rosa, com closes eenquadramentos inusitados, e a montagem especialíssima de Daniel Rezende, que dá leitura (e liga) às narrativas do filmedentro do filme, na internet e fora dela. Dispor de profissionais técnicoscompetentes, que fazem o difícil parecer fácil, é o ganho certo da outra metadeda metragem.

Destacaria,ainda, a direção de arte de Clô Azevedo,pela habilidosa exploração cênica da atulhada locação, e a interessante trilhade Ed Côrtes, que chama a atençãopor ser um complemento e não um incômodo condutor de emoções baratas. Os 3é daquelas raras produções nacionais que dão prazer assistir e recomendar. É,sem dúvidas, um dos melhores brasileiros do ano.

Crítica: A Casa dos Sonhos

2011-11-05T22:36:00.000-02:00

O título e o cartaz de ACasa dos Sonhos podem até sugerir (mais) um filme sobre (mais) uma casa assombrada porfantasmas, demônios e outros “seres” correlatos, mas a ideia (mal resolvida) éa de um thriller psicológico. Em sua (batida) trama, Will Atenton (DanielCraig) é um editor que espera uniro útil ao agradável: passar mais tempo com a família e finalmente escrever oseu adiado livro. Deixa o emprego, compra uma aprazível casa num bairrotranquilo e se muda com a mulher Libby (Rachel Weisz) e as filhas Dee Dee (Claire Geare) e Trish (Taylor Geare). No entanto, algumascoisas parecem fora de ordem na casa e na vizinhança. Logo Will descobre que umaaparente hostilidade dos vizinhos está relacionada com uma tragédia ocorrida hácinco anos, quando a mãe e duas filhas foram mortas naquela casa. Como em toda redondezao assunto é tabu, disposto a viver em harmonia com a família e os vizinhos, eledecide pesquisar o corrido, cujo suspeito é o marido, e fica perplexo com assuas descobertas.

Se a sinopse desperta algum interesse, o mesmo não pode ser dito doclaudicante roteiro-clichê de David Loucka, que até tenta confundir e parecer inteligente, mas não consegue (igual ao Will) sair do lugar comum. A obviedade é tanta que qualquer espectador, que já tenhavisto outros filmes (melhores) de suspense, logo na primeira (re)virada dahistória sabe quem é o verdadeiro culpado pela chacina. O que não o impede demudar de opinião, se achar propício. Ou esperar até o ridículo final e dizer:eu não falei? Também porque, quando em um filme dessa natureza os personagensdecidem lavar sua honra, já se sabe o banho de água fria que virá. Como se diz,também, que quem entra no fogo é para se queimar, é torcer para que, das cinzas,não surja uma Phoenix Zumbi.

Todo mundo sabe que Hollywood adora serepetir e o público alvo adora (re)ver novos filmes velhos. É uma obsessãolucrativa, mas que, às vezes, dá com os burros n’água. A Casa dos Sonhos é uma colcha de recordaçõesdo gênero. Percebe-se (no princípio) um cuidado na direção de atores e de arte,que cativam o espectador, por conta do trabalho dos protagonistas (Graig, Weisz eas crianças Claire e Taylor Geare), numa narrativa que quer voar alto. Mas, então,sem que nem mais porque, os fotogramas são arrombados e a Casa dos Sonhos virauma Casa de “Surpresa” da Mãe Joana, abalando mortos e vivos (ou seriamortos-vivos?) com a quantidade de cacos sem qualquer importância, fazendo ahistória quicar de um lado para o outro.

A Casa dos Sonhos (Dream House, EUA, 2011), do diretor irlandês Jim Sheridan, tem uma produção bacana até certa metragem, mas não se sustenta nem como excepcional desempenho de Daniel Craig. E é difícil saber onde se deu o escorregão que levou Sheridanescada abaixo, se na leitura, correção e ou remendos do roteiro. A verdade éque ele perdeu o foco e quando tentou pular do barco, após o enxerto de cenas ea reedição do produtor Jim Robinson, que ainda distribuiu um trailer revelador,já era tarde até para o elenco. A Casa dos Sonhos é um filme que começae não termina. Ele simplesmente para por não ter (e ou saber) para onde ir.

Crítica: O Preço do Amanhã

2011-11-03T22:10:00.000-02:00

O diretor neozelandês Andrew Niccol é um caso à parte em Hollywood. Estreou muito bem, no roteiro e direção do genial Gattaca - A Experiência Genética (1997), e continuou surpreendendo como roteirista do belíssimo O Show de Truman - O Show da Vida (1998), argumentista do divertido O Terminal (2004) e, ainda, como roteirista e diretor do polêmico O Senhor das Armas (2005). As suas histórias, sem efeitos especiais mirabolantes, causam estranheza e inquietação, mas são críveis, como esta curiosa metáfora O Preço do Amanhã (In Time, EUA, 2011).

Nesta nova ficção científica, com base em seu próprio roteiro, Niccol fala de um futuro, onde a população é dividida em duas classes: rica e pobre. Ambas envelhecem até aos 25 anos, quando, então, recebem um relógio subcutâneo e passam a adquirir quanto tempo quiserem de vida futura. Para os abastados o tempo é um investimento, um grande e rentável negócio. Para os miseráveis é praticamente uma sentença de morte. Ter tempo é ter dinheiro. Ter tempo é ter poder. Assim, enquanto a classe baixa vive uma distopia, à mercê da conquista do tempo escasso, a classe alta vive uma utopia, gastando o seu tempo com frivolidades. O que faz a gente pensar num velho trava-língua: O tempo perguntou pro tempo: Quanto tempo o tempo tem? O tempo respondeu pro tempo: O tempo tem tanto tempo quanto o tempo que o tempo tem.

Personagens de mundos antagônicos, Will Salas (Justin Timberlake) é um honesto operário que trabalha para ganhar mais tempo para ele e a mãe, e Sylvia Weis (Amanda Seyfried) é a riquíssima filha de um magnata do tempo, aborrecida com tanto privilégio e segurança 24 horas. Após dois incidentes na periferia, Will se vê no direito e obrigação de penetrar o mundo dos ricos, onde conhece a bela garota. Sendo um estranho numa terra estranha, logo se mete numa grande confusão e, por conta do enfezado Timekeeper Raymond Leon (Cillian Murphy), um policial linha dura, a sua vida toma um rumo inesperado, capaz de abalar as estruturas de toda a sociedade.

O Preço do Amanhã é uma interessante fábula futurista, com muita ação e suspense, que discute, mesmo que superficialmente, o totalitarismo e o tênue fio das suas ramificações. Num breve prólogo fala das conquistas da ciência e retrata os arredores de uma grande cidade, onde as pessoas trabalham muito, para comprar seus minutos a mais de vida. Para os marginalizados, passar dos 25 anos é viver no fio da navalha. Com certeza essa gente preferiria envelhecer e morrer normalmente, mas a medicina evoluiu e agora só morre quem não tiver tempo suficiente em seu novo relógio biológico subcutâneo. A juventude eterna custa caro, a vida eterna, também. Num futuro onde o dinheiro foi abolido e a “moeda” de compra e venda é o tempo, uma minoria (capitalista) ganha e a maioria (descapitalizada) perde. Ou seja, o valor monetário continua sendo uma abstração, só que “sutilmente” fatal. E esta é uma eficiente forma de controle populacional e de extermínio de “endividados”.

Independente da simplificação do perspicaz argumento, em “ganho” de uma narrativa mais palatável (?), é interessante ver como Niccol envolve (ou defronta) o espectador e seus personagens com o fator tempo, abrindo um leque para diversas leituras e divagações sobre o custo da juventude eterna, os percalços da imortalidade, e ou se o homem é ou não escravo da infinitude do tempo. Ainda que a referência seja inconsciente, ao tratar da relação trabalho e lucro, faz um cinéfilo mais atento se lembrar de (pelo menos) dois clássicos: A classe operária vai ao paraíso (La classe operaria va in paradiso, Itália, 1971), de Elio Petri (1929 - 1982) e Bonnie e Clyde - Uma rajada de balas (Bonnie and Clyde, EUA, 1967), de Arthur Penn (1922-2010). O que, de forma alguma tira o mérito desta boa e inusitada história, que pode não ser o melhor de Andrew Niccol, mas tem o seu DNA. Além de excelente produção e um elenco jovem competente.

Crítica: O Palhaço

2011-10-30T16:28:00.003-02:00

Em 2006 oconsagrado ator Selton Mello deu seusprimeiros passos, na direção cinematográfica, com o belo curta-metragem Quando o Tempo Cair (uma pungente reflexãosobre a velhice), num bem vindo “resgate” do ator Jorge Loredo (o Zé Bonitinho).Em 2008 estreou na direção com o taciturno longa-metragem Feliz Natal, uma obra sombria e trágica, mas sem novidades, quevale mais por outro “resgate”: DarleneGlória. Agora ele retorna, dividindo o roteiro com Marcelo Vindicatto, em umfilme mais luminoso e original, um delicioso drama cômico que, de tão ingênuo,beira o nonsense: O Palhaço.

Nestanova produção, Selton Mello é Benjamin,um jovem artista que ajuda o pai Valdemar(Paulo José) a administrar o CircoEsperança e também divide com ele as glórias do picadeiro, quando encarnam adupla de palhaços Pangaré e Puro Sangue. O circo é pequeno, cabe numcaminhão. A trupe de artistas se arranja em uma kombi e uma caminhonete. Mas,além da subsistência dos mambembes, o que inquieta o jovem Benjamin é a dupla crisede identidade: civil (carrega apenas um velho Registro de Nascimento, comoprova de sua existência), e profissional (ele é melancólico: “Eu faço o povo rir, mas quem vai me fazerrir?”). O que o impede comprar um ventilador ou mesmo acreditar na graçaque faz. Apesar da boa acolhida aos artistas, nas pequenas cidades em que seapresentam, a vida errante e as dificuldades financeiras do circo, ajudam aagravar a sua depressão. No entanto, como não há dor que um belo amor nãoatenue, pensando na possibilidade de viver uma nova vida, Benjamin decide correr atrás de um doce sonho, para descobrirexatamente quem é.

Com algumareferência a Renato Aragão, Charles Chaplin, Wes Anderson, Fellini..., O Palhaço é uma história repleta depequenas outras histórias poéticas, engraçadas, nostálgicas, que ganham vida egraça nas marcantes participações especiais de Moacyr Franco (prêmio de melhor ator coadjuvante no Festival dePaulínia), no corpo do impagável DelegadoJusto, Tonico Pereira, no papeldos mecânicos gêmeos Beto e Deto Papagaio, Jorge Loredo, como o piadista Nei,dono da loja de eletrodomésticos, e LuizPereira Neto (o Ferrugem, lembradele?), faz um “brincalhão” atendente da Prefeitura. Na verdade todo elencoque, passa longe do elenquinho de novelinhas da Rede XXXX, está bem. SeltonMello e Paulo José, é claro, estão perfeitos. É difícil não reconhecer avitalidade de Paulo e o carinho com que Mello o homenageia na referência aoantológico Macunaíma (1969), deJoaquim Pedro de Andrade (1932-1988).

O Palhaço é singelo, sincero e faz rir sem exagero.Ele emociona ao falar de pessoas reais, que remoem os seus pequenos problemas econtinuam seguindo em frente com o seu espetáculo (embaixo ou fora das lonas), eainda resgata a infância de muita gente que viveu no interior, onde o circo eraa única diversão cultural possível. Resgata um tempo em que, talvez pareçaenganoso pensar assim, viver era (bem) mais simples. Poético, o filme traz umSelton mais solto e tecnicamente muito bem acompanhado, seja na fotografia, comestudados enquadramentos, no apuro do figurino, na cuidadosa direção de arte ou(mesmo) na trilha sonora, com sua romântica breguice dos anos 1980, época em quese passa a narrativa. Neste terceiro trabalho Mello não perdeu a intensidade e pareceestar bem a caminho (ou já ter chegado) aonde o público está.

Crítica: Contágio

2011-10-28T20:51:00.000-02:00

Há um grande número de filmes tematizando algum tipode vírus terrestre e ou alienígena. No vale-tudo do cinema sempre há alguémquerendo contar (mais) uma história com alguma variação de humor e ou deterror. Se o agente infeccioso não está transformando cidadãos (de bem e demal) em zumbis, está matando indiscriminadamente e criando a maior paranoia em umae ou em outra situação. Aí, o medo acaba fazendo mais estragos que o própriovírus, quer seja ele de origem animal, laboratorial, militar, alien e até mesmodigital.

Ficção literáriaou cinematográfica (científica ou não) à parte, a verdade é que, na vida real, àsimples menção de algum vírus, o pandemônio é geral. Em 2011 a bactéria E.coli(Escherichia coli) causou estragos comerciais na “União” Europeia e até mudouhábitos alimentares, em 2009 quem apavorou foi a Gripe Suína e em 2004/2005 aInfluenza Aviária foi a gripe da vez. Ah, por falar em literatura, vale lembrarque o médico e escritor Robin Cook é um autor de best sellers (Contágio, Vírus, Febre, Coma) que explora as mais diversasdoenças, num clima que mistura ciência medicinal, ética e um bocado de fantasia,para a felicidade dos seus leitores (não necessariamente hipocondríacos) chegadosem histórias hospitalares de suspense. Algumas já foram adaptadas para o cinemae televisão.

Contágio (Contagion,EUA, 2011), de StevenSoderbergh, é um filme que, a despeito do tema central (vírusavassalador), se atém à fragilidade do ser humano. Baseado no roteiro de ScottZ. Burns, o drama de suspense não tem exatamente (e ou apenas) uma história. A trama começa com retorno da executiva Beth Emhoff (Gwyneth Paltrow), para Minneapolis, após viagem de negócios a HongKong. Dois dias depois ela e seu filho morrem sem que se saiba a causamortis. Ao mesmo tempo surgem notícias de outras mortes idênticas em Tóquio,Chicago, Londres, Paris e Hong Kong. A classe médica acredita que o responsávelpor tantos óbitos é um vírus desconhecido e inicia-se, então, uma corrida para encontrara cura.

Contágiotraz um elenco estelar em uma narrativa repleta de personagensprotagonistas (cada um aproveitando muito bem seus “15” minutos): Laurence Fishburne é o Dr. Ellis Cheever, o Vice-Diretor doCDC, responsável pela coordenação das pesquisas sobre o vírus; Kate Winslet, no corpo e alma da Dra. Erin Mears, é uma médica quetrabalha junto aos infectados; MarionCotillard, na pele da Dra. LeonoraOrantes, é a pesquisadora da OMS que investiga a origem do vírus; Jude Law é o inquieto jornalistablogueiro Alan Krumwiede que, nabusca da (sua) verdade e na publicação de matérias alarmantes, cria muitaconfusão entre os seus seguidores, o governo e a classe científica; Matt Damon é Mitch Emhoff, marido de Beth,a primeira vítima conhecida. O curioso é que nenhum personagem se destacamais que o outro. Alguns entram e saem (até desaparecem) da trama sem maioresexplicações. Assim, como se fosse coisa natural.

No mundo cinematográfico o inimigoda hora é a China, com ou sem metáfora. O tema, sem dúvida, é sensacionalistae Soderbergh procura evitar os clichêsespetaculosos do gênero. Porém, sempre um ou outro acaba deslizando para dentrodo enredo, como a abnegação dos dedicados pesquisadores médicos (no Dia de Açãode Graças, Natal, Ano Novo), ou o bom pai que se sacrifica pela filha e ouainda a desprotegida mulher amada... Nem por isso o filme fica menos frio ou menosintenso em sua narrativa. Excetuando o gentil Mitch e o falastrão Krumwiede, que dão uma certa humanidadeà história, os outros personagens, com suas (até instrutivas) falas científicas(“Não conversecom ninguém. Não toque em ninguém. Fique longe das pessoas. Não toque o rosto.Lave as Mãos.”) não causam qualquer empatia.Parecem estar além do próprio umbigo.

Contágioé uma ficção possível e (sendo americana) com um enaltecedor final provável. Em meio ao caos gerado pela pandemia há uma rápida “intriga”sobre quem ganha (indústria farmacêutica) com a desgraça alheia e ou tem oprivilégio (americano) de encontrar e usufruir da vacina salvadora, e o dia adia do cidadão comum que, pela incerteza da informação que recebe, entra empânico, motivando uma reação em cadeia. Nada de novo, é verdade, a não ser alinguagem que apresenta vários pontosde vista sobre o mesmo assunto (vírus: origem e consequência). Em suafragmentação há, também, uma história de amor (e apego) à vida e outra deselvageria, quando, na iminência da morte, o homem comum (ouinstruído) justifica o seu egoísmo (e egocentrismo) em gestos que podemcomprometer a sobrevivência de todos. A edição soderberghiana lhe dá um ritmo especiale só no final o espectador vai entender a contagem dos dias (na tela) e o queocasionou o vírus. Não deixa de ser (mais) um filme-alerta que, em seu momento demedicina preventiva, (re)ensina ao público as noções básicas de higiene dentroe fora de casa.

Este, evidentemente,não é um programa indicado aos apreciadores das divertidas obras trash do catastrofista Roland Emmerich, mas pode agradar e atésurpreender quem sempre se preocupa com um segundo diagnóstico, digo, opiniãosobre vírus.

Crítica: Contra o Tempo

2011-10-22T19:55:00.000-02:00

Filmes que tratam de viagem no tempo não são novidade e poucos fazem a diferença. Contra o Tempo (Source Code, EUA, 2011), a nova ficção científica do diretor Duncan Jones, tem uma boa produção, mas é difícil não relacioná-lo, entre outros, ao Déjà Vu (2006), filme de Tony Scott. Ambos têm terrorista (a ser detido), uma mulher (por quem o protagonista se apaixona), mensagens (tipo: estive aqui), um “herói cobaia”, indo e voltando no tempo, através de experimentos de alta tecnologia militar, tentando evitar a tragédia num navio (antes) e num trem (agora).

Duncan estreou muito bem com o ótimo Lunar (Moon, 2009), que infelizmente não fez carreira nos cinemas brasileiros, saiu apenas em DVD, mas este seu Contra o Tempo parece meio apressado. O roteiro de Ben Ripley narra as desventuras do capitão Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) que, em nome da pátria, do governo e do militarismo, se vê obrigado a viajar no tempo para evitar um atentado terrorista. Para descobrir o responsável e evitar a tragédia, Stevens assume o corpo físico de um estranho e tem apenas (alguns) oito minutos para salvar vidas e (ainda) se rebelar e se apaixonar.

Contra o Tempo é um filme de ação e tensão contínuas que explora de forma interessante os mistérios da (vida e) morte cerebral, sem se preocupar com a anima. O bom da ficção científica é que, no campo da imaginação, tudo é possível e não há muito o que se questionar. Aceita-se ou não e ponto. Também porque, se começar a pensar muito a respeito, vai ter gente mergulhando no buraco de minhoca, subindo a escada transversal, apossando a mecânica quântica, para explicar todo e qualquer pré e pós conceito científico. O que dá assunto para muita discussão e filosofia de botequim, como foi o caso de Matrix.

Toda ficção que tematiza a viagem no tempo sabe o imbróglio em que se meteu e as consequências futuras, para o bem e ou para o mal. Em Contra o Tempo não é diferente e o seu final (piegas) talvez não agrade a todos. Para o espectador não acostumado aos filmes do gênero pode parecer curioso, em vez de cansativo, as mirabolantes idas e vindas de Colter, em busca do terrorista, em meio aos passageiros do trem, que nem imaginam quantas vezes seus desígnios ser repetirão. Uma situação já explorada exaustivamente em diversas séries televisivas americanas (até mesmo na divertida Supernatural), mas que ainda funciona, quando bem dirigida.

Contra o Tempo é um bom trabalho de Duncan Jones, mas não tem a mesma ousadia do excelente Lunar. Mesmo sendo mais comercial, demorou tanto para ser lançado por aqui que se acreditava sair, também, apenas em DVD. O filme tem dividido opiniões do público e da crítica, mas não há como negar que o jovem diretor, se não se deixar domar por Hollywood, tem um belo futuro.

Crítica: Transeunte

2011-10-19T21:56:00.000-02:00

Transeunte (Brasil, 2010), de Eryk Rocha, é um doc-drama sobre um cidadão em trânsito em uma cidade em transe. A vida transformou Expedito (Fernando Bezerra) e a cidade do Rio de Janeiro. Ele, um aposentado de 65 anos, é quase puro silêncio em seu anonimato. Ela, quatrocentona, é toda ruídos. O Expedito é um homem solitário que passa o tempo que lhe sobra olhando, de seu apartamento, a cidade que se eleva, e na rua, o povo que se leva. O Rio é uma capital (in)diferente ao destino dos transeuntes.

Com uma fotografia curiosa, em preto no branco, de Miguel Vassy, repleto de closes, detalhamentos faciais, registro de “coisas”, meio que tendência em filmes mais ou menos alternativos, Transeunte é um street movie para um público seleto, talvez mais seleto do que o público de Glauber Rocha, pai de Eryk. A narrativa convida o espectador a fazer uma caminhada de observação (que talvez já tenha feito e nem se dado conta), na companhia do monossilábico Expedido que, de posse de um radinho à pilha e fones de ouvido, passeia anônimo pela cidade, flagrando fragmentos de conversas de outros anônimos.

Andar pelo Rio de Janeiro (e ou qualquer outra capital brasileira), hoje em dia, é uma aventura de risco. No entanto, enquanto transita de um lado para outro, sem compromisso ou pressa, se atentando a gestos, rugas e rusgas de estranhos, Expedido não demonstra qualquer temor, a que uma pessoa de sua idade está sujeita. A preocupação com a sua segurança, andando por ruelas escuras ou no meio do povo, fica por conta do publico já anestesiado pelas notícias de mau agouro televisivo. A cidade carioca de Eryk é uma cidade que parece desconhecer o medo de uma bala perdida ou do assalto saidinha de banco. É um Rio (possível?) de paz. Não há qualquer sinal de violência..., apenas solidão e anonimato até num sexo fugidio. Uma cidade que parece estacionada nos idos dos anos 1950.

Baseado no roteiro de Manuela Dias e de Eryk Rocha, praticamente sem diálogos e com boa dose de “experimentalismo”, Transeunte é um filme inquietante que se projeta longe das neochanchadas brasileiras ou da cinematografia de ocasião. O distraído e ou apressado espectador nada pode fazer quanto ao seu ritmo e nem tão pouco antecipar o destino de Expedito que, como uma canção bossa nova insistindo em harmonizar o funk, vagueia, dono de si mesmo, mas não alheio ao mundo carioca que o cerca, virando construção ou cantoria no botequim que habita o seu caminho.

Crítica: Winter, O Golfinho

2011-10-13T21:01:00.002-03:00

Winter, O Golfinho é um típicodrama-terapia, inspirado em fatos reais, que conta (mais) uma história bacanasobre esperança e superação animal e (também) humana. Um prato cheio para osbiólogos e psicoterapeutas. Não é o primeiro filme sobre personagens com algumadeficiência física e ou psicomotor, e, com certeza, não será o último. Um Sonho Possível (The Blind Side, 2009), dos mesmos produtores, até garantiu o Oscarà Sandra Bullock, em 2010.

Dirigido por Charles Martin Smith, baseado noroteiro de Karen Janszen e Noam Dromi, é uma produção que pode ser vista semsustos por toda a família que gosta de filmes que mexam com as suas emoções. A históriaé centrada em dois personagens: Sawyer(Nathan Gamble), um garoto introspectivo,com problemas de socialização familiar e escolar que, ao se relacionar com Winter, um golfinho fêmea que perdeu acauda num acidente, acaba encontrando um novo sentido para a sua vida. Ao redordeles circulam Lorraine Nelson (Ashley Judd), mãe de Sawyer, o Dr. Clay Haskett (HarryConnick Jr.), que administra o Clearwater Marine Hospital, e sua filha Hazel (Cozi Zuehlsdorff), e o Dr.Cameron McCarthy (Morgan Freeman),médico especialista em prótese que tem a difícil missão de criar uma nova caudapara Winter.

A narrativa, queexercita uma pegada no “estilo” documentário mundo animal, acentua os dramasparalelos (falência do Hospital e soldados mutilados), para destacar a importânciadas pesquisas médicas na área de próteses e de terapias alternativas. A sua tramaé simples e, clichês de ocasião à parte, funciona bem como filme-autoajuda ao demonstrarque sempre haverá alguém com um problema maior que o seu e que a solução paratodas as aflições está no altruísmo. Convenhamos que o amor universal não é o maiordos sentimentos humanos, mas os americanos tratam a questão com tanta convicçãoque o espectador acaba aceitando e, até acreditando que o mundo (dos homens) temsalvação. Pelo menos na ficção.

Apoiado numatrilha sonora que provoca emoções até no mais frio dos espectadores, Winter, O Golfinho (DolphinTale, EUA, 2011), pode não ser umgrande filme, mas cumpre o seu papel de utilidade pública (intencional ou não) aodenunciar o desrespeito dos pescadores com a fauna marinha, vitimando muitosanimais. O elenco, que traz ainda KrisKristofferson, como Reed, o paide Clay, é irregular, mas não chega acomprometer a produção cujas estrelas (por uma boa causa) são Winter e Sawyer.

Crítica: Os Três Mosqueteiros

2011-10-11T22:59:00.001-03:00

O romance de aventura capa-e-espada Os Três Mosqueteiros, escrito em 1844, por Alexandre Dumas (1802 - 1870), que teve duas continuações: Vinte anos depois (1845) e O Visconde de Bagelonne (1847) - do qual faz parte O Homem Com a Máscara de Ferro, ganha uma inimaginável e grandiloquente versão cinematográfica. A divertida obra literária, com mais de 20 adaptações para o cinema, diversas animações e séries, volta às telas numa produção bem humorada, usando e abusando do melhor que a tecnologia pode oferecer.

A história clássica fala do intrépido adolescente D’Artaghan (Logan Lerman), que deseja fazer parte da guarda palaciana e ruma a Paris onde, literalmente, acaba esbarrando nos “inseparáveis” três mosqueteiros: Athos (Matthew Macfadyen), Aramis (Luke Evans), Porthos (Ray Stevenson), e provocando um combate com soldados do malévolo Cardeal Richelieu (Christoph Waltz). Finda a luta, em vez de punição, ele é “premiado” e passa a servir o inseguro e fútil Rei Luis (Freddie Fox), que está sempre preocupado com a renovação do seu guarda-roupa. Em pouco tempo o intrépido garoto vai conhecer a graciosa Constance (Gabriella Wilde) e, na companhia dos novos amigos, enfrentar o “cão de guarda” Rochefort (Mads Mikkelsen), o oportunista e arrogante Duque de Buckingham (Orlando Bloom) e a bela espiã-dupla Milady de Winter (Milla Jovovich), capaz de abalar as estruturas da França, da Inglaterra, de Athos e do espectador desacompanhado.

Os Três Mosqueteiros (The Three Musketeers, Alemanha/França/Reino Unido, 2011) dirigido por Paul W.S. Anderson, a partir do roteiro de Andrew Davies e Alex Litvak, (como é usual) mantém a trama central da obra de Dumas, e toma alguma liberdade (mudando identidades civis, ordem das intrigas políticas e românticas, traições, espionagem, furtos), fazendo a narrativa ganhar novos rumos na terra e no céu. Juvenil, e com boa dose de ingenuidade nas piadas, o filme recupera o frescor perdido de Os Piratas do Caribe, numa aventura repleta de personagens divertidos e humanos (?) em sua vilania ou heroísmo.

A riquíssima produção enche os olhos do espectador e também lhe tira o fôlego, tamanha a beleza cenográfica, figurinos e efeitos especiais capitaneados por ótimo 3D. É provável que grande parte do público, que se assustou com o (coerente) sanguinolento Conan, note (positiva ou negativamente) a falta de sangue, violência explícita, erotismo, mas vale (re)lembrar que esta (re)leitura é infanto-juvenil. A suavização da obra de Dumas (que é baseada em personagens históricos), em nada tira a graça desta suntuosa produção fantasiosa que ensaia a continuidade (com o Cerco de La Rochelle), parecendo querer contar a história completa.

Crítica: Meu País

2011-10-10T18:43:00.000-03:00

Meu País, longa de estreia de André Ristum, ao contrário do que possa sugerir o título (que tanto pode aguçar a curiosidade e ou afastar de vez o espectador) não tem nenhuma conotação sócio-política (sequer fictícia) relacionada ao Brasil. A sua trama gira em torno de Marcos (Rodrigo Santoro) um empresário que mora na Itália e raramente se comunica com a sua família brasileira, o pai Armando (Paulo José) e o irmão Tiago (Cauã Reymond). Entretanto, com a morte do pai ele se vê obrigado a voltar ao seu país de origem, para colocar ordem nos negócios da família, e se depara com um irmão perdulário e um imbróglio complicado: Manuela (Débora Falabella), uma irmã (com deficiência intelectual), que não sabia existir e que vive internada numa Clínica.

Recentemente premiado no 44°. Festival de Cinema de Brasília do Cinema Brasileiro: diretor (André Ristum), ator (Rodrigo Santoro), montagem (Paulo Sacramento), trilha sonora (Patrick de Jongh) e Juri Popular, Meu País é um drama familiar intenso e idílico, cuja concepção lembra o cinema gaúcho e italiano. Talvez pelo distanciamento dos personagens (frios) e seus dramas familiares, que estão mais próximos da literatura do que da novela (costumeira no cinema). Apesar do bom ritmo narrativo e da curiosa história, não há clima para o envolvimento do espectador que (também) não se reconhece na tela. É com se ele estivesse passando por algum lugar e ouvisse pedaços de um relato, sem muito detalhamento, e captasse apenas a essência do que esta sendo dito. O que pode ser melhor que a prosa inteira. Ou um fiasco.

Na trama proposta pelo roteiro de Ristum, Marco Dutra e Octavio Scopelliti, o público tem pouca ou nenhuma referência sobre o comportamento dos personagens, e sairá da sala sem nenhuma resposta à sua dezena de por quês. É claro que poderá conjecturar durante todo o filme, por conta de um olhar, gesto e ou sequencia intempestiva, e concluir a história como quiser. Porém, num enredo (econômico) que só tem o meio, ele terá que conceber um princípio e um fim. O que não deixa de ser interessante para alguns espectadores, mas incômodo para a maioria que gosta de tudo explicadinho.

Segundo André Ristum, o “Meu País” do título refere-se ao “país interior” de Marcos. Ou seja, tem mais a ver com sentimentos familiares do que com ufanismo (para o bem ou para o mal). Se o país físico (chão) confunde-se com o país afetivo (família), Marcos deve ser um sem-pátria. A ternura (se muito) só lhe é possível através da deficiência da irmã e da eficiência da esposa Giulia (Anita Caprioli), que o acompanha, mas se sente estrangeira nos braços do marido que se sente estrangeiro no seio da (própria) família que vive de aparências. Egoístas e egocêntricos, cada irmão é “um país” em vias de explosão, enquanto Manuela é um “mundo novo”, um estorvo que pode acirrar a disputa pelo “território alheio”, ou ser o “país neutro” da conciliação.

O ponto em comum, entre os três, é a identidade perdida de cada um. A linha entre o “cuidar” e o “amar” é tênue e “cuidar” não que dizer, necessariamente, “amar”. Os irmão sabem que afeto (perdido) se (re)conquista, mas não se obriga. Partir ou ficar pode ser muito mais que uma metáfora. O que lembra uma antiga canção: O amor é o meu país (Ivan Lins / Ronaldo Monteiro De Souza), de 1970: Eu queria, eu queria, eu queria/ Um segundo lá no fundo de você/ Eu queria me perder, ah! me perdoa/ Porque eu ando a toa sem chegar/ (...) Quão mais longe se torna o cais, lindo é voltar/ É difícil meu caminhar, mas vou tentar/ Não importa qual seja a dor,/ Nem as pedras que eu vou pisar/ Não me importo se é pra chegar/ Eu sei, eu sei/ De você fiz o meu país/ Vestindo, festa e final feliz/ (...) Eu vi, eu vi/ O amor/ É o meu país/ (...) Sim, eu vi/ O amor/ É o meu país.

O diferencial de Meu País está no seu foco narrativo, que conta com direção segura e um elenco (contido) eficiente. O grande destaque, sem dúvida, é a excelente atuação de Rodrigo Santoro (que vem surpreendendo desde o inquietante O Bicho de Sete Cabeças, de Laís Bodanzky e o belíssimo Abril Despedaçado, de Walter Salles, ambos de 2001) e a marcante participação de Paulo José. Não é um filme fácil, mas se deixa ver com um certo prazer.

Crítica: Melancolia

2011-10-08T21:17:00.001-03:00

Lars Von Trier e sua obra despertam nos cinéfilos, e no público ocasional, sentimentos de amor e ou de ódio, cujo grau de intensidade varia conforme a obra em questão ou o nível de compreensão. Não há meio termo. Com Melancolia não é diferente. Muitos espectadores resistem até o final, outros se ausentam ainda na colisão dos personagens (na primeira parte), enquanto os cientistas questionam se a colisão de dois mundos é um fato iminente ou mera ilusão de ótica. Há que se preferir a ficção ou caos real.

Melancolia (Melancholia, Dinamarca, 2011), com roteiro e direção de Lars Von Trier, é uma ficção científica com conteúdo trágico, como convém a uma boa ficção que se propõe à leitura do comportamento humano diante do inesperado e do fracasso material e imaterial. Se a vida é contínua, geração após geração, os perigos que a cercam, também! Sejam eles de ordem familiar, religiosa ou científica. Dividido em duas partes, com um prólogo de grande beleza (comparável ao entreato da Criação do Universo, no magistral A Árvore da Vida, de Terrence Malick) o drama narra as expectativas de duas irmãs, Justine (Kirsten Dunst) e Claire (Charlotte Gainsbourg), possivelmente vivendo seus últimos dias, à espera do fim do mundo, que se dará com o provável choque entre os planetas Terra e Melancholia.

Na Terra, durante a atribulada “festa” de casamento de Justine e Michael (Alexander Skarsgård), na suntuosa mansão do casal John (Kiefer Sutherland) e Claire, a intromissão dos pais da noiva, Gaby (Charlotte Rampling), e Dexter (John Hurt), acaba provocando um desconforto geral. No Céu, o Melancolia brilha e, tal qual O Anjo Exterminador, de Luis Buñuel, influencia a todos, despertando estranhos (e infames) sentimentos nos convidados que, aos poucos, abandonam a casa que “aprisionará” Justine, Claire, John e o filho do casal, Leo (Cameron Spurr), até a derradeira hora fatídica.

O Apocalipse revela o flagelo oculto no planeta e também a fraqueza do homem. Revelar-se (fora de hora) pode não trazer a paz de espírito desejada. Desesperar-se, também não. Do metódico casamento ao encontro dos planetas, a vida do quarteto sofre um revés, desvelando os medos de cada um em busca (ou fuga) da razão. Enquanto a passagem do Melancolia encanta e aguça a curiosidade do garoto, a sua atração apavora, angustia os adultos. O novo é um enigma a ser decifrado a cada dia, assim como a morte a ser domada a cada sono. Porém, quando o tempo urge e a desordem fende famílias e tradições, questões do ser e não e ser, e ou de onde para onde, são irrelevantes.

Melancolia, o filme, não de fácil absorção. Apesar de deslumbrante, a sua narrativa é facetada e incômoda. É, sem dúvida, mais “linear” que A Árvore da Vida, porém mais denso. Ambos são metafilmes (obras extremamente pessoais) que buscam o porquê da vida e da morte e da onipresente ausência de Deus. Cabe ao espectador assimilar ou não o discurso de que a vida (segundo Malick) é tão complexa quanto a morte (segundo Trier). Sem a cumplicidade do público, com a sua leitura muito particular, o discurso é vazio.

Com excelência técnica e performances irretocáveis (com destaque a Charlotte Gainsbourg e Kirsten Dunst), esta ficção científica, com seu viés psicológico, é um típico filme ruminante. Por mais que o espectador ignore, uma fala, uma sequência, uma imagem sempre retorna à mente, para maiores considerações individuais e ou coletivas.

Crítica: O Zelador Animal

2011-10-05T23:07:00.000-03:00

Que os animais (dito irracionais) se comunicam com os humanos (dito racionais), desde que partilham o mundo real e o do cinema, não é novidade alguma. Mexe e vira aparece uma teoria nova sobre a forma de “conversação” entre as duas espécies, na tela dos homens, e a razão da “conversação” na tela do cinema. A intenção em pauta de O Zelador Animal (Zookeeper, EUA, 2011) é zooilógica. Ou seja, assim é, se lhe parece que é, e ponto.

A nova “comédia dramática” do mediano diretor Frank Coraci (depois da água, da música, do turismo e do controle remoto) explora os “fundamentos” da psicologia sexual animal para salvar a vida amorosa de um zelador de zoológico. Escrito a catorze mãos (quatro no argumento e dez no roteiro) a trama-clichê é de uma bobagem romântica ímpar. Uma prova (inexorável?) de que quantidade não quer, necessariamente, dizer qualidade.

A narrativa rasteira trata do cotidiano de Griffin Keyes (Kevin James), o zelador (panaca) do Zoológico Franklin Park, que se dá muito bem com os animais aprisionados, mas não tem sorte com Stephanie (Leslie Bibb), a garota (basbaque) dos seus sonhos. Um dia revê o frustrado amor do seu passado e se dá conta de que ainda a ama. Mas, temendo uma nova rejeição, não se aproxima. Enquanto busca uma saída, descobre que os seus amigos enjaulados falam e, melhor, querem ajudá-lo a reconquistar a sua destemperada paixão, transformando-o num macho alfa. No desespero, Griffin resolve dar ouvidos aos conselhos animalescos da bicharada e a confusão está armada. Para sair da jaula apertada em que se meteu, por conta da sua paixonite aguda, só vai poder contar com a colaboração da veterinária Kate (Rosario Dawson).

O Zelador Animal lança a rede para todos os lados, na tentativa de apanhar algum tipo de espectador. Os distraídos (de qualquer idade) que se deixarem prender verão uma produção insossa onde, se muito, salva-se uma ou outra sequência animal. Nada surpreendente, já que o tema (bicho versus gente) é batido até mesmo em desenho animado. Espera-se em vão que o humor apareça, que a graça aconteça, mas nem tropegamente ele dá as caras. A comédia carece de ritmo, de personagens (e performances) convincentes, de um roteiro, já que o argumento não é lá essas coisas. Porém (nunca é demais repetir), quem gosta de filme previsível, edificante, com clichê jaula-a-jaula, amor cego e outras bobagens tradicionais em um filme-família americano, vai se esbaldar (de sono!).

Pré-Estreia: Atividade Paranormal 3

2011-10-05T20:42:00.000-03:00

Tweet decidirá quem no mundo será o primeiro a assistir Atividade Paranormal 3.

A ParamountPictures lança, pela primeira vez, a promoção global “Tweet para assistir primeiro”, em 18 de outubro de 2011, três dias antes da sua estreia global, oesperado 3°. filme da franquia de suspense.

O pré-lançamento de Atividade Paranormal 3 acontecerá exclusivamente em 20 cidades,onde a maioria dos fãs participar da ação “Tweetpara assistir primeiro”. A campanha se inicia hoje e está aberta para osfãs de todo o mundo. Para votar, basta acessar www.atividadeparanormal3.com.br e selecionar a suacidade, em um mapa global que servirá também de ponto de entrada para a criaçãode um tweet, com um conjunto especialde hash tags que conectam diretamentecom o Twitter. Quando o tweet é publicado, ele conta como umvoto. Um quadro de liderança mostrará os 20 principais mercados globais emtempo real.

A competição “Tweetpara assistir primeiro” termina na quinta-feira 13 de outubro de 2011, às19h59 (Horário de Brasília). As 20 primeiras cidades serãoanunciadas no dia seguinte.

“O apoio dado aesta franquia, pela comunidade on-line, é fenomenal. Novamente procuramosrecompensá-la, por este apoio, oferecendo-lhe a chance de assistir o filmeprimeiro, desta vez expandindo nosso alcance de forma global”, disse Rob Moore,executivo da Paramount Pictures.

Atividade Paranormal3 é uma produção de Jason Blum, Oren Peli e StevenSchneider, com direção de Henry Joost e Ariel Schulman, a partir de um roteirode Christopher Landon.

Crítica: Elvis & Madona

2011-09-25T15:18:00.000-03:00

Este é um filme que pensei que só overia em DVD, caso saísse. Isso porque esta agradável comédia, alternativa e debaixo orçamento, começou a ganhar forma em 2007 e 2008, foi finalizada em 2009,fez carreira em Festivais e Mostras de Cinema no Brasil e no exterior em 2010 esó agora (antes tarde do que nunca!), em 2011, chega a algumas salas de cinema.

Elvis& Madona (Brasil, 2010), com roteiro e direção de Marcelo Laffite, é uma comédia atípica, tantona trama quanto na narrativa. Longe das baixarias que têmcaracterizados as mais recentes produções brasileiras, o filme nos apresenta umadivertida e convincente história de amor entre a lésbica Elvis (Simone Spoladore)e o travesti Madona (Igor Cotrim). Elvis deseja fazer carreira como fotógrafa e Madona estrelar um show musical com drag queens. Enquanto não concretizam seus sonhos, Elvis trabalha de motogirl, entregandopizza, e Madona num salão decabelereiro. Expectativas, frustrações e dificuldades financeiras à parte, oDestino trama para que o estranho casal se encontre num momento delicado edifícil para ambos e percebam novas possibilidades profissionais e sentimentais.

A comédia romântica (com uma pitada de drama)não levanta bandeiras, não discute a “causa” dos gays e nem se restringe aguetos. Trata seus personagens como qualquer pessoa (dita normal) que trabalha,paga contas, sonha, bate e apanha da vida, tem problemas familiares, amorosos eprofissionais, mas continua indo à luta. É um filme para cima, com umanarrativa direta, onde as piadas de situação beiram à inocência, tamanhocuidado, ou melhor, o respeito com que Lafitte desenha a relação de Elvis e Madona aos olhos do público que, em poucos minutos de projeção, estátotalmente cativado pelos dois, ou duas ou... É claro que a química entre osatores, a excelência e naturalidade com que vestem seus personagens, semcacoetes e longe das caricaturas em busca do riso fácil, é o diferencial. Asmúsicas pontuadas colaboram e muito na composição da trama que ainda tem apresença de Sérgio Bezerra (o truculento ex-namorado de Madona), Buza Ferraz, Maitê Proença.

Elvis& Madona é uma grata surpresa e faz jus aos prêmios que tem recebido.Conta uma boa história de amor possível (com seus percalços) e é ousado,abusado e angraçado. Não subestima a inteligência do espectador e muito menos provocaqualquer constrangimento sexo-sócio-cultural.

Crítica: Família Vende Tudo

2011-09-24T09:51:00.000-03:00

Na onda das novas “comédias” brasileiras, modernosas e “ousadinhas”, chega Família Vende Tudo, com roteiro e direção de Alain Fresnot, um filme que deve agradar aquele público que ri de qualquer coisa, mesmo que não tenha a menor graça. Como quem tem na produção uma Rede XXXXX, não pega resfriado, nem que fique ao relento, por conta do elenco de novelas e seriados, deve fazer uma razoável bilheteria.

A trama gira (feito metralhadora) em torno de uma família que vende mercadoria contrabandeada do Paraguai e, quando a situação financeira se complica, pede à filha Lindinha (Marisol Ribeiro) que se prostitua. O filho Webster (Robson Nunes), que é evangélico “aleluia” ferrenho, ao ouvir o sermão de uma bispa (Marisa Orth), tem a brilhante ideia de sugerir aos pais, Ariclenes (Lima Duarte) e Cida (Vera Holtz), que a irmã se “ofereça” a Ivan Carlos (Caco Ciocler), um famoso cantor de música brega, engravide e peça uma compensação. A “inocente” garota, linhagem chuchu da serra (herdada da mãe), adora o plano. É claro que, como se trata de uma família de “ingnorantes” as “coisa” vão “estar” dando errado (como reza o tradicional clichê), mas como são boa gente indecente, no fim tudo se ajeita (como reza o tradicional clichê).

Família Vende Tudo (Brasil, 2011) aposta na exploração dos excluídos (sociais e morais) dispostos a levar vantagem em tudo. O tema não é novo, mas, se bem trabalhado, tem lá a sua curiosidade e significância. O problema é que a narrativa não decide para onde vai levar os seus caricatos personagens, se ladeira (mais) abaixo, se é que isso é possível, e ou ladeira acima, para abrir a porta da felicidade. Há um punhado de histórias (de baixaria, musica brega, periferia, corno, igreja evangélica, prostituição, lesbianismo) dentro de um liquidificador descontrolado sendo cuspidas para todo lado. Nenhuma delas convence. Insinua-se muito, mostra se pouco. É tudo raso. É tudo (hipocritamente) família (?). É tudo programa de TV de quinta categoria. É tudo sem importância e, por isso, sem empatia.

Ao final, óbvio e troncho, a impressão é a de ter visto um dramédia romântico, mistura de drama que não é drama com comédia que não é comédia, num clima de contos de (sa)fadas dos mais piegas. Sem força para o drama, sem humor (timing) para a comédia e com romance de novela, restou rechear a história com palavrões, até nos trocadilhos com os nomes de cidades, e “brincar” de chanchadinha.

Crítica: Missão Madrinha de Casamento

2011-09-20T20:14:00.001-03:00

Missão Madrinha de Casamento (Bridesmaids, EUA, 2011), dirigido por Paul Feig, com roteiro de Kristen Wiig e Annie Mumolo, é a clara demonstração de como uma boa história pode ser deturpada pelo imediatismo, na exploração desenfreada do mix adolescência retardada e escatologia, o novo filão milionário da indústria cinematográfica norte-americana que também está fazendo escola no Brasil.

A narrativa curiosa (apesar de pouco original) acompanha os passos de Annie (Kristen Wiig), uma mulher frustrada com a sua vida amorosa e profissional, que é convidada por Lillian (Maya Rudolph), um amiga de infância, para ser a Dama de Honra do seu casamento. Uma função que seria fácil se, para organizar a festa, não fosse preciso conviver com quatro madrinhas de personalidades distintas: Megan (Melissa McCarthy), Rita (Wendi McLendon-Covey), Becca (Ellie Kemper) e a onipresente Helen (Rose Byrne), rica, bonita, bem situada, mulher do patrão do noivo de Lillian, a quem considera a sua melhor nova amiga. Com tanta gente dando palpites, o entrosamento destas novas conhecidas não será fácil e vai por em xeque o valor da amizade. O bom é que elas vão economizar uma grana com psicoterapeuta.

Missão Madrinha de Casamento tem umas sacadas legais e elenco para uma deliciosa comédia de costumes, com pinceladas dramáticas e românticas. Porém, promete mais do que oferece. Meio que um Clube da Luluzinha, entre uma discussão e outra, as personagens, na faixa dos 30 e 40 anos, falam do sexo do homem (como se fosse um órgão alienígena) e de sexo com homem (como se fosse uma tortura), de casamento e filhos (como se fosse um suplício). A receita é boa, o problema está na mistura dos ingredientes, que acaba desandando e deixando o bolo com cara de broa seca.

Não acreditando na trama, que aborda a crise de identidade e de relacionamento (entre mulheres e mulheres e mulheres e homens), os realizadores apelaram para o que o cinema americano tem apresentado de pior, mas que o público e grande parte da crítica adoram: “piadas” escatológicas, fétidas, em quantidade suficiente para cegar e ensurdecer os incautos. E aí, haja caco. Sobrou até para uma indigesta depreciação da comida brasileira, numa sequência apelativa que começa no estacionamento de um restaurante chicano, travestido de brasileiro: Churras Chi, cujos atendentes falam espanhol (igual que nosotros en Brazil), e vai terminar constrangedoramente no hall e no banheiro de uma butique especializada em roupas de casamento, e na rua que passa em frente. Se contar o espectador não vai acreditar. Em todo caso, para evitar efeitos colaterais, é melhor esquecer a pipoca e o refrigerante. A cena é de matar de inveja os realizadores de Se Beber Não Case e outra babas do gênero.

Missão Madrinha de Casamento até começa bem, mas escorrega no meio e decepciona no fim, quando todas as arestas são aparadas, em nome da tradição (bíblica), família (piegas) e patrimônio (brega). É claro que não poderia ser diferente, afinal trata-se da cultura estadunidense para exportação. Talvez, se fosse dirigida por uma mulher, valorizando as sutilezas que propõem o argumento, a pretensa ousadia da narrativa não terminasse tão careta e banhada no mais puro arroz de noiva. Enfim, é uma produção basicamente direcionada ao público feminino (não muito exigente). Mas, por conta do besteirol de última hora, pode agradar a alguns marmanjos desocupados.

Crítica: Conan - O Bárbaro

2011-09-15T21:05:00.000-03:00

É fato, querendo ou não, os fãs de Conan irão comparar HQs e o filme homônimo de John Milius, estrelado por Arnold Schwarzenegger, em 1982, ao Conan - O Bárbaro, de Marcus Nispel, estrelado por Jason Momoa, em 2011. É inevitável que, pela fama do Bárbaro Cimério, o espectador/leitor busque referências do famoso personagem dos quadrinhos na interpretação de Schwarzenegger e Momoa e ou na leitura cinematográfica de Milius e Nispel. Ambos os filmes têm pontos em comum entre si e com os quadrinhos, baseados nas histórias originais criadas em 1932 por Robert E. Howard, para a revista Weird Tales, mas interpretação própria. Diversão garantida para quem gosta de pancadaria (ou seria espadaria?) regada a muito sangue.

Conan - O Bárbaro (Conan - The Barbarian, EUA, 2011) não é refilmagem da versão de 1982. O motivo da narrativa até continua o mesmo: vingança. O que muda é o tom e o feiticeiro. Ou seja, Conan (Jason Momoa) busca vingar a morte de seu pai Corin (Ron Perlman), assistida por ele quando criança (Leo Howard). O assassino, Khalar Zim (Stephen Lang), acredita que, se conseguir juntar as partes perdidas de uma demoníaca máscara, será um deus capaz de ressuscitar a sua esposa feiticeira e dominar o mundo, na companhia da sua maligna filha Marique (Rose McGowan). No entanto, a máscara só terá serventia se banhada com o sangue puro da noviça Tamara (Rachel Nichols). Para chegar até ela, o vilão terá que enfrentar a fúria de Conan, que já está no seu encalço, trucidando piratas, mercadores de escravos, ladrões, monstros e o que mais aparecer pela frente.

Conan é um mercenário, ladrão, pirata, que não perde tempo rezando para Crom. Imbatível, o bárbaro não carrega culpa alguma ao empunhar espadas, machados ou o que tiver às mãos para mandar para os Infernos principalmente os feiticeiros que insistem em lhe atravessar o caminho. Quando não está “trabalhando” a serviço de algum tirano (ou por conta própria), nas horas vagas, está com alguma mulher ou matando monstrengos. Básico assim! Ah, é uma boa caneca, também! As histórias de Conan são simples e diretas. Algumas das antigas beiram o sublime, como A Torre do Elefante, outras nem tanto. Quanto às adaptações cinematográficas, fala-se muito da pobreza dos roteiros. A verdade é que não se tem muito o quê criar em cima do mito que enfrentou até seres mecânicos nos quadrinhos. É claro que pode se evitar muitos cacos, para ganhar tempo e diminuir a metragem, mas escapar dos clichês é uma missão impossível. Nem as HQs conseguiram.

Conan - O Bárbaro, de Nispel, pode não ter um roteiro digno do mestre Howard, mas (mesmo com alguns equívocos) consegue dar vida ao personagem que muitos espectadores conhecem e querem ver em ação (e, convenhamos, AÇÃO é o que não falta!) trucidando tudo que encontra pela frente para cumprir a sua promessa. Conan nunca foi um herói, super-herói e sequer um anti-herói, ele é um bárbaro e age tal e qual. Aqui a sua saga vai pela mesma trilha tortuosa dos não menos sanguinolentos feiticeiros Khalar Zim e Marique e, uma hora ou outra, elas vão se cruzar. Excetuando o enfrentamento com os piratas (que serve apenas para encher mais barris de sangue) o filme é objetivo. Conan jurou vingança ao presenciar a morte do pai, se preparou e vai cumprir a sua meta, custe o que custar. É o que ele faz e o que o espectador espera e deseja que ele faça!

Entre tantos altos e baixos da produção, o que tem chamado a atenção (?) da crítica é a violência, como se fosse uma novidade abominável no cinema contemporâneo. Por um acaso Kick-Ass é um inocente filme para criancinhas? A violência (e que VIOLÊNCIA!) que se vê na tela, também está na maioria das HQs do Cimério. Talvez não tão intensa, mas está lá! O porquê da violência ser mais aceitável (ou cult) em alguns filmes que em outros, não sei. A verdade é que também ela é um clichê! Um filão que, por enquanto, ainda rende muito para os realizadores.

Conan - O Bárbaro foi filmado em 3D totalmente dispensável. A fotografia, a direção de arte e o figurino criam um (imaginário) mundo hiboriano bastante convincente. O elenco, no geral, tem boas performances e alguns efeitos especiais surpreendem, como o dos Demônios de Areia. Conan já pagou micos homéricos nas mãos de péssimos roteiristas e desenhistas de HQs e, honestamente, por pior que sejam as adaptações cinematográficas, elas ainda são muito melhores que as execráveis produções para a TV: Conan, O Bárbaro (Conan: The Adventurer - animação, 1992), Conan e os Jovens Guerreiros (Conan and the Young Warriors - animação, 1994) e Conan, O Aventureiro (Conan: The Adventurer - série de 1997).

Crítica: Manda-Chuva - O Filme

2011-09-15T10:06:00.000-03:00

Manda-Chuva é o título de uma movimentada série animada de 30 capítulos, criada na década de 1960 pelos Estúdios Hanna e Barbera. Ela conta as aventuras de uma gangue de gatos que aplica pequenos golpes em Nova York. O bando tem como integrantes o folgado líder Manda-Chuva, o adorável Batatinha (que rouba todas as cenas), o galã Bacana, o natural Espeto, o bronco Gênio, o esperto Xuxu, e está sempre fugindo do Guarda Belo, que tenta, mas não consegue, expulsar os malandros do beco. Manda-Chuva também fez sucesso nos quadrinhos.

Manda-Chuva - O Filme (Top Cat, Argentina, México, 2011) é uma animação que aposta num bom argumento, para resgatar a gangue nova-iorquina, mas tropeça na tecnologia. Baseado no roteiro de Kevin Seccia e Tim McKeon, a animação, dirigida por Alberto Mar, narra as confusões em que se metem os inseparáveis amigos quando Manda-Chuva se apaixona e tenta aplicar um golpe, a fim de arranjar dinheiro e presentear a gatinha Trixie. Como era de se esperar, as coisas se complicam e uma inesperada troca de comando na polícia acaba provocando o caos em NY e, principalmente, na vida do malandro Manda-Chuva.

A história, com referências ao romance 1984, clássico de George Orwell (1903-1950), tem como gancho o uso indiscriminado de câmeras digitais para coibir o crescimento da insegurança e da violência nos grandes centros urbanos. Porém, segura nada, já que a temática, envolvendo a vigilância e o totalitarismo, acaba como mero pano de fundo. É claro que não se pode esperar maior profundidade em tal reflexão numa animação, de certa forma, dirigida ao público infantil, mas esse nem é o maior dos problemas. O filme é por demais burocrático e carece de humor. As piadas pontuadas são de pouca (ou nenhuma) graça e os personagens perderam o carisma. Na trama séria (demais) e capenga não se vê a magia da gangue de gatos mais politicamente incorreta do mundo da animação. A diversão perdeu o rumo, carregando para longe os simpáticos bichanos.

A tragédia maior, no entanto, está na tentativa de casar o 2D (dos personagens) com o 3D (dos cenários e objetos de cena) sem profundidade. A dessincronização das imagens é tamanha que chega a dar dor de cabeça. Na verdade o “3D” que se vê na tela, lembrando o pop-up, está mais próximo do estereograma, que foi moda na década de 1990, com os famosos livros Olho Mágico 3D, aqueles em que as pessoas encostavam o nariz na ilustração e ia afastando a imagem até ver o desenho em 3D. Tem gente que não consegue ver coisa alguma nas publicações. Talvez na projeção em 2D o Manda-Chuva resulte melhor, sem o incômodo dos cenários desfocados incomodando a leitura e maior envolvimento com o filme.

Crítica: Cowboys & Aliens

2011-09-08T10:32:00.000-03:00

Cowboys & Aliens tem cara de filme de western e de sci-fi dos anos 1950. A história que mistura cowboys e alienígenasé maluca, mas bem divertida. Tem um humor ingênuo (quase família), personagenstípicos (quase clichê), clima de mistério (quase suspense) e um terror gosmento(quase inocente) que chega a lembrar clássicos trash. Dirigido por JonFavreau, com algumas referências a produções dos dois gêneros (faroeste e ficçãocientífica), que fazem sucesso (e são revisitados) desde os primórdios docinema, o filme não decepciona os fãs que curtem um bom passatempo-pipoca com muitacorreria, tiros, pancadaria, aliens horripilantes, bandidos, mocinho de caráterduvidoso etc. E, de quebra, ainda supera a HQ em que foi baseado.

NaGraphic Novel Cowboys & Aliens um interessante prólogo desenha uma intençãometafórica: o expansionismo inglês (na América) exterminando e subjugandoindiscriminadamente os nativos, e o expansionismo alienígena (no Universo)fazendo o mesmo com outras civilizações. A HQ tem um começo até promissor, com a invasão alienígena no VelhoOeste de 1873, em plena disputa territorial entre ingleses e nativos, mas acabaperdendo a graça e a criatividade no meio do caminho, quando índios e brancosse juntam para combater o inimigo em comum. Na verdade os personagens dosquadrinhos são tão chatos quanto mal resolvidos. No filme a questão da terranão é prioritária, a narrativa busca foco (mesmo que superficial) nos terríveisobjetivos alienígenas, parecidos, aliás, com os dos humanos conquistadores e asua ambição desmedida por tudo que gere lucro. É a razão (e não o acaso) que une ingleses e ameríndiosna batalha feroz contra os aliens.

Cowboys & Aliens (Cowboys& Aliens, EUA, 2011) aproveita apenas a ideia central da HQ homônima (invasãoalienígena no Velho Oeste) para contar uma história bem mais interessante que aoriginal. Nela encontramos, em pleno deserto, no Território do Novo México, em 1875,o desmemoriado forasteiro Jake Lonergan(Daniel Craig) despertando de umpesadelo para viver outro muito pior. Ele não sabe quem é, como chegou ali eporque tem um bracelete no braço. Até que encontre respostas para todas as suasperguntas e utilidade para o tal bracelete, vai bater muito e apanhar umbocado. Bem, bater e ou apanhar seria o menor dos seus problemas, se nãoestivesse acontecendo em meio a invasão de demoníacos aliens interessados namesma preciosidade que ele. Para enfrentar uma ameaça que vem dos Céus, mas queos pioneiros e nativos acreditam vir dos Infernos, o solitário Jake vai blefar e se envolver com cowboysda pesada (que sabem quem ele é, mas de quem ele não se lembra), como o Coronel Woodrow Dolarhyde (Harrison Ford), com índios e com umabela e misteriosa mulher: Ella (Olivia Wilde).

Procurar mensagenssubliminares, aprofundamento científico e social, lógica nesta ótima releitura daHQ de Scott Mitchell Rosenberg, ébobagem. O filme de aventura, suspense e ação (com pitadas de terror) parece nãoter outra intenção além de contar uma boa e divertida história, garantida porum elenco competente, narrativa (clássica) dinâmica, diálogos curtos e grossos,excelente direção, bela fotografia e um final digno. Para quê mais?

Crítica: O Homem do Futuro

2011-08-27T10:38:00.002-03:00

Ufa! Finalmente estreia mais um filme brasileiro capaz de provar que, para entreter o espectador, não é preciso baixar o nível e nem subestimar o público que tem se deixado envolver pela nova e avassaladora onda de pornochanchadas que tomou conta dos cinemas.

O Homem do Futuro, escrito e dirigido por Claudio Torres, traz Wagner Moura, na pele de Zero, um cientista infeliz, egocêntrico e rancoroso que, por conta de um acidente, volta no tempo e decide acertar as contas com o seu passado. O que ele não contava é que, ao evitar uma humilhação pública, numa festa estudantil, onde se encontram a sua grande paixão, Helena (Alinne Morais), o namorado dela, Ricardo (Gabriel Braga Nunes), e a sua grande amiga, Sandra (Maria Luisa Mendonça), alteraria o futuro de todos. Como se vê, um tema que, com algumas variantes, ainda serve de inspiração para autores em todo o mundo. O melhor exemplo é o antológico e original conto Um Som de Trovão (1952), do mestre Ray Bradbury, já adaptado para HQs, TV e cinema. Mas, será que é possível trapacear o Tempo para, digamos, tirar proveito próprio? No final há uma resposta, se ela vai satisfazer a todos já é outra viagem.

O Homem do Futuro é repleto de referências cinematográficas assumidas pelo autor: “Usei referências de filmes que gosto de assistir e que assisti na minha infância. É uma junção dos seriados que passavam nas tardes de quando era criança como o Túnel do Tempo, Perdido no Espaço e Jornada nas Estrelas. Depois vieram De Volta para o Futuro 1, 2, 3; O Exterminador do Futuro 1, 2, 3 e 4; Peggy Sue; O Efeito Borboleta; A Dona da História de Daniel Filho e A Máquina do João Falcão. É possível perceber para quem tem mais de 40 anos que o figurino do Wagner é uma mistura de Buck Rogers com o professor Robinson de Perdido no Espaço, já a Alinne tem o figurino inspirado em Barbarela.”. A boa dosagem na mistura de comédia, drama, romance e ficção científica, resultou num filme juvenil, cheio de reviravolta amorosa e profissional, bem ao gosto do público jovem. Quer dizer, desde que não espere a pancadaria típica americana em filmes do gênero. Aqui a ideia é outra, talvez mais “civilizada”.

Quem se acostumou com a linguagem de baixo calão, das recentes comédias brasileiras e americanas, pode estranhar a falta de piadas escatológicas, mas verá que é possível fazer um filme divertido e sem apelações. A produção surpreende com bom roteiro e ótimos efeitos especiais. Porém, decepciona com uma desastrosa continuidade (típica de continuísta de novelas da Rede XXXXX) e uma trilha sonora instrumental acidental (é isso mesmo, acidental!) horrorosa, irritantemente presente nos momentos dramáticos, cortando todo o clima das sequências. Infelizmente, trilha sonora de gosto duvidoso não é falha isolada nos filmes brasileiros (e americanos). O espectador que assistiu ao VIPs, de Toniko Melo, talvez encontre pontos em comum com a performance de Wagner Moura cantando e encantando na pele dos vários personagens criados por Marcelo da Rocha, já que agora, em O Homem do Futuro, ele “é” um, digamos, amalucado triunvirato. Esta aí um ator que realmente se multiplica!

Crítica: O Planeta dos Macacos - A Origem

2011-08-25T20:22:00.000-03:00

Não sou muito fã de refilmagens. São raras as que valem a pena serem vistas. E mais raros os filmes que merecem tal “privilégio”. Mas reconheço que O Planeta dos Macacos - A Origem (Rise Of The Planet Of The Apes, EUA, 2011) saiu muito melhor que a encomenda.

Quem conhece a versão original de O Planeta dos Macacos (1968), e principalmente as sequencias, com toda conotação sociopolítica: De Volta ao Planeta dos Macacos (1970), Fuga do Planeta dos Macacos (1971), A Conquista do Planeta dos Macacos (1972) e Batalha do Planeta dos Macacos (1973), feitas a toque de caixa e com pouquíssimo dinheiro (conforme os Comentários sobre a franquia, no Disco 2 da Edição Especial de 35º Aniversário), vai se surpreender com esta, digamos, releitura da ideia primordial.

O Planeta dos Macacos - A Origem, na verdade, trata-se de uma origem alternativa aos fatos apresentados em A Conquista do Planeta dos Macacos e Batalha do Planeta dos Macacos. Ou seja, Cesar (Andy Serkis) não é filho de pais fugitivos do futuro, mas de chimpanzés capturados na África, para serem cobaias de laboratório, nos dias de hoje. O filme dirigido por Rupert Wyatt faz algumas referências ao O Planeta dos Macacos (1968), que, por sua vez, tomou suas liberdades na adaptação do livro La Planète Des Singles (1963), de Pierre Boulle, mas são apenas homenagens divertidas (e invertidas). E também passa longe da enigmática versão de Tim Burton, de 2001.

O roteiro do casal Rick Jaffa e Amanda Silver, situa a trama na cidade americana de São Francisco. Will Rodman (James Franco) é um cientista a serviço da indústria farmacêutica Gen-Sys, onde desenvolve pesquisa genética na cura do Mal de Alzheimer, doença que aflige o seu pai, Charles (John Lithgow). Por conta de um acidente com os símios usados no experimento, Will se vê obrigado a criar o filho de uma chimpanzé. Enquanto cresce e toma consciência do mundo ao seu redor, Cesar, com inteligência superior à de muitos humanos, desenvolve profundos laços afetivos com Will e com Charles. Nesta convivência familiar de dependência, cooperação e proteção, o primata vai conhecer o lado bom e o lado cruel dos homens, que acabará influindo na hora de tomar uma decisão que irá mudar o seu destino e o de toda a humanidade.

A narrativa de O Planeta dos Macacos - A Origem dosa muito bem as cenas de ação e drama. A história, bem contada e envolvente, abre caminho para reflexão sobre a ética científica no desenvolvimento da ciência e na manipulação de “animais de laboratório”. Por mais que os espectadores mais velhos pensem que conhecem a trama, ela traz um sabor de novidade. Algumas sequências apavoram, mas outras são de grande ternura, de uma beleza estonteante, como aquela em que Will, Charles e Cesar fazem uma refeição, e outra onde Cesar sai de casa para proteger Charles dos desaforos de um vizinho. São de arrepiar! A emoção que vai tomar conta do público e fazer muita gente lacrimejar é por conta da performance de dois grandes atores, um de carne e osso, John Lithgow, com seu personagem portador de Alzheimer, e o ator de captura Andy Serkis (responsável por dar vida anteriormente ao Gollum, de Senhor dos Anéis, e ao King Kong), na criação do expressivo e inesquecível Cesar. James Franco, é claro, também contribui para a qualidade da fita.

Uma vez que esta leitura do mundo dos macacos e homens é diferente, não há como saber o que acontecerá na continuidade da franquia que criou um início, quando a história real começa pelo fim. É esperar para ver. Por enquanto são apenas macacos “de volta para a casa”, se (re)organizando num Parque de Sequoias, nos redores da cidade. Se mantiver a mesma qualidade técnica, já valerá uma olhadela.

Crítica: Amor A Toda Prova

2011-08-23T08:22:00.000-03:00

Como criatividade não é o forte dos tituladores brasileiros e pouca gente se lembra de Amor A Toda Prova (Unconditional Love, EUA, 2002), de P. J. Hogan, uma “nova” comédia americana, com o mesmo título em português, estreia para a felicidade dos românticos de plantão que acreditam na tradicional família e no amor filial acima de tudo.

A história (é claro!) não é das mais originais. Cal Weaver (Steve Carell) é um cara certinho que tem a vida que pediu a seu Deus: uma bela esposa Emily (Julianne Moore), um bom emprego, boa casa, filhos e amigos adoráveis. Porém, como dizem que até mesmo o que é sólido desmancha no ar, o seu mundo perfeito se espatifa quando Emily pede o divórcio e diz que o traiu. Cal vira um choramingas no bar da cidade, onde acaba conhecendo o galanteador Jacob Palmer (Ryan Gosling). O bon vivant que pega todas e não repete mulheres, decide ajudá-lo a esquecer o passado e a descobrir os prazeres de uma nova vida. Como a comédia é romântica, a temporada para encontrar um amor e muita confusão está aberta também para o filho adolescente de Cal e para um grupo de jovens advogados.

Amor A Toda Prova (Crazy, Stupid, Love, EUA, 2011), dirigido por Glenn Ficarra e John Requa, com roteiro de Dan Fogelman, é mais uma comédia clichê (não falta nem a dramática chuva de ocasião!), daquelas que a gente sabe como vai se desenvolver e terminar. Mas, não sei se pelo elenco ou se por evitar a baixaria “cômica” dos recentes filmes do gênero, não deixa de ser simpática e até divertida. Parece incrível, mas ela não tem piadas escatológicas e há apenas duas ou três insinuações sexuais que, aqui, fazem parte do contexto. No entanto, é bom que se diga que a trama é um tanto quanto machista. As aulas de conquista e sedução de Jacob a Cal, incluindo a sua incansável caça de mulheres, sempre disponíveis para o romance ou sexo ocasional, pode incomodar (?) o público feminino. Ou não!

A produção é salpicada de boas canções românticas e tem um momento arrebatador na homenagem a Patrick Swayze (1952-2009) e Jennifer Grey, na recriação de uma cena famosa de Dirty Dancing - Ritmo Quente (1987), de Emile Ardolino. Porém, a narrativa que tem uns arroubos de moderninha, infelizmente, fica apenas na querença da ousadia. No final, quando a tradição, a família e o patrimônio falam mais alto, ela se mostra bem caretinha. Na atual safra de comédias de costumes (macho-falocratas) a impressão é a de que as narrativas querem propalar que não existe vida inteligente fora do casamento tradicional. Pode haver sexo e até prazer, mas, felicidade, não!